La vida es una avalancha que nos sometemos es una obra que refleja como desde sus comienzos, se ve influenciado notablemente por la oscuridad que trae consigo la guerra y que le afectó personalmente como refugiado durante la Segunda Guerra Mundial. El contraste intenso entre la penumbra del color negro y de la luminosidad de la vida en amarillo tipifican este sentimiento agónico de la vida del autor. El abstractísimo y las texturas de la pintura se mezclan con una figura difusa semejante a un cuerpo a través de finas líneas y finales abiertos simbolizando lo frágil que es el humano ante la vida.

Se trata de un paisaje panorámico de San Andrés de Teixido que realizó el artista coruñés con figuras propias de la inocencia infantil, resueltas a través de un trazo sencillo y de un color vivo y luminoso. Peteiro consigue crear un estilo único y característico en el que la temática paisajística gallega es, sin duda, el protagonista claro en su obra. Además de su pintura, también podemos encontrar su estilo único en murales cerámicos y esculturas.

Representa a un loco, de pie, con singulares condecoraciones y con peculiares atributos. En una mano sostiene una rana y en la otra porta un estandarte en el que lleva escrito: "O NARANXO/ Rey do/ mundo/LAXEIRO/70". Inscripción del autor en el reverso: "Tolo/O "naranxo"/Sin Termi-/nar/LAXEIRO/Nº 7/ 21-4-69". Comprado a la Galería Citania en 1981.

Asinado a. i. d.

Está hecho en dos piezas. Asinado a. i. d.

Dentro de su producción artística, Laxeiro desarrolla hacia los años 70 una nueva etapa que se corresponde con su retorno definitivo a España. La pintura de esos años lleva implícito un acercamiento a la obra de Matisse. El colorido matissiano se refleja en esta obra en la que Laxeiro abandonó la estética "románica" de colores terrosos y negros de las etapas anteriores; el que más destaca es la fuerza expresiva del color, de traza enérgica y vibrante. Aunque la obra se titula abstracción, se pueden identificar una serie de elementos, como un triciclo, un pequeño animal que parece sostener un martillo en su mano o una figura amarilla. Firmado y datado en el a. s. i."LAXEIRO/ 71" Comprado a la Galería Citania en 1980. En el reverso, una pegatina de la Galeria Citania. Indica el título, la técnica y las dimensiones.

Esta obra responde a las características iniciadas por Laxeiro en la década de los 70. En esta etapa, se decanta por la riqueza del colorido; frente a las tonalidades terrosas de etapas anteriores, ahora trabaja con colores vivos destacando los azules y naranjas. La obra es un abstracto que refleja la libertad del autor en su ejecución, así como la depuración que lo lleva a liberar la pintura de toda carga anecdótica. Firmado y datado en el a. s. i. "Laxeiro-70/Vigo" Comprado a la Galería Citania en 1980.

Discurre la labor de Tomé por líneas que van desde el expresionismo hasta la abstracción, decantándose aquí por esta última. No obstante, el artista parte de la tradición pictórica gallega con maestros como Seoane o Laxeiro; del primero parece tomar la importancia del color que se ve en esta obra, y del segundo el carácter matérico de la pintura -rasgo que está presente a lo largo de su producción-. Se vincula con el expresionismo la paleta cromática, optando el autor por un fuerte contraste de colores, en este caso naranja y azul inundan el cuadro. Firmado en el ángulo superior izquierdo "X. M. Tomé 93"

Obra del período inicial de Caruncho en la que representa de manera sintetizada las piezas de un acordeón a través de una superposición de figuras geométricas. Este cuadro, aunque no está datado, es similar a otro del año 1959. Caruncho parte de una etapa inicial que llega hasta finales de los 50, en la que se sitúa muy próximo a las vanguardias, decantándose por una figuración sintetizada de innegable influencia cubista, como se observa en esta obra, al descomponer el motivo del cuadro -acordeón- en distintas partes a modo de collage.

Figura de un inca de medio cuerpo, con tocado y vestido típico de esta cultura. Tinta magenta. Número de la tirada: 42/100. Enmarcado con cristal. Inscripción a lápiz en el a.i.i.: "42/100 Actor representando a un Inca" y firmado en el a.i.d.: "Seoane"

Un afilador con su rueda en actitud de afilar un cuchillo. La figura del hombre se concibe en una contundente forma compacta, y con una cierta tendencia al bloque cerrado, pulida y redondeada en sus formas a causa de su disposición curvada por la actividad que desempeña. Firma grabada en la base: "X. Piñeiro"

Juego de aguadas en tonos azules. Sugestiones a través de las manchas, dentro de la abstracción. Enmarcado con passpartout; ventana de 32 cm de alto x 48 de ancho.

Juego de aguadas en tonos liliáceos primordialmente, pero combinados con otros colores. Enmarcado con passpartout. Sugerencias a través de las manchas, dentro de la abstracción.

Juego de aguadas en tonos azules. Enmarcado con passpartout. Sugerencias a través de las manchas, dentro de la abstracción.

Galería de personajes que ilustra la serie de cinco murales de Conde Corbal (1923-1999) que lleva por título Alba de Gloria. Recordando el insigne discurso pronunciado desde Buenos Aires por Castelao, el Día de la Patria Gallega de 1948, Conde Corbal acerca su particular visión, dibujando una galería de personajes que son clave en la tradición gallega. La disposición en friso es común en todas las escenas. Se trata en unos casos de personajes conocidos y en otros de gente anónima. La obra pone de manifiesto no solo la capacidad de este artista cómo creador de murales, sino también su destreza en la recreación de perfiles con diferentes trazos que definen actitudes y caracteres diversos y peculiares. Obra cedida por su autor para su exhibición en la Facultad de CC Económicas y Empresariales de la USC.

Galería de personajes que ilustra la serie de cinco murales de Conde Corbal (1923-1999) que lleva por título Alba de Gloria. Recordando el insigne discurso pronunciado desde Buenos Aires por Castelao, el Día de la Patria Gallega de 1948, Conde Corbal acerca su particular visión, dibujando una galería de personajes que son clave en la tradición gallega. La disposición en friso es común en todas las escenas. Se trata en unos casos de personajes conocidos y en otros de gente anónima. La obra pone de manifiesto no solo la capacidad de este artista cómo creador de murales, sino también su destreza en la recreación de perfiles con diferentes trazos que definen actitudes y caracteres diversos y peculiares. Obra cedida por su autor para su exhibición en la Facultad de CC Económicas y Empresariales de la USC.

Galería de personajes que ilustra la serie de cinco murales de Conde Corbal (1923-1999) que lleva por título Alba de Gloria. Recordando el insigne discurso pronunciado desde Buenos Aires por Castelao, el Día de la Patria Gallega de 1948, Conde Corbal acerca su particular visión, dibujando una galería de personajes que son clave en la tradición gallega. La disposición en friso es común en todas las escenas. Se trata en unos casos de personajes conocidos y en otros de gente anónima. La obra pone de manifiesto no solo la capacidad de este artista cómo creador de murales, sino también su destreza en la recreación de perfiles con diferentes trazos que definen actitudes y caracteres diversos y peculiares. Obra cedida por su autor para su exhibición en la Facultad de CC Económicas y Empresariales de la USC.

Galería de personajes que ilustra la serie de cinco murales de Conde Corbal (1923-1999) que lleva por título Alba de Gloria. Recordando el insigne discurso pronunciado desde Buenos Aires por Castelao, el Día de la Patria Gallega de 1948, Conde Corbal acerca su particular visión, dibujando una galería de personajes que son clave en la tradición gallega. La disposición en friso es común en todas las escenas. Se trata en unos casos de personajes conocidos y en otros de gente anónima. La obra pone de manifiesto no solo la capacidad de este artista cómo creador de murales, sino también su destreza en la recreación de perfiles con diferentes trazos que definen actitudes y caracteres diversos y peculiares. Obra cedida por su autor para su exhibición en la Facultad de CC Económicas y Empresariales de la USC.

Galería de personajes que ilustra la serie de cinco murales de Conde Corbal (1923-1999) que lleva por título Alba de Gloria. Recordando el insigne discurso pronunciado desde Buenos Aires por Castelao, el Día de la Patria Gallega de 1948, Conde Corbal acerca su particular visión, dibujando una galería de personajes que son clave en la tradición gallega. La disposición en friso es común en todas las escenas. Se trata en unos casos de personajes conocidos y en otros de gente anónima. La obra pone de manifiesto no solo la capacidad de este artista cómo creador de murales, sino también su destreza en la recreación de perfiles con diferentes trazos que definen actitudes y caracteres diversos y peculiares. Obra cedida por su autor para su exhibición en la Facultad de CC Económicas y Empresariales de la USC.

Esta pintura también es conocida como “Personajes de Compostela" o "Fiesta Popular", en el que se descubren los primeros pasos estilísticos de una voluntad claramente figurativa. El expresionismo de los gestos exagerados y del matiz popular evoca la imaginería de Brueghel o Ensor. La composición reproduce una escena cotidiana en la que distintos personajes individualizados por una iconografía reconocible, intervienen en el gran teatro de la vida, imaginado en una pequeña plaza de Compostela. La narración se establece a través de una trama festiva donde el carnaval, simbolizado por la máscara, se infiltró silenciosamente en el mundo del cotidiano. Lo satírico se mezcla con lo afectivo y lo grotesco con lo amable. Los protagonistas de esta mitología urbana son seres que el autor quiere que sientan o sean sentidos por quien observa el cuadro. Firmado en el ángulo inferior izquierdo.

Obra alegórica de Manuel Torres que representa, en una estricta ordenación en bandas horizontales de arriba a ababajo, las distintas fases de los trabajos del campo, desde la siembra hasta la venta en el mercado.

Pintura y grabado conforman la mayor parte de la producción artística de Alfonso Costa. La influencia del surrealismo, de la obra de Yves Tanguy con sus paisajes imaginarios y ser extraños, están presentes en este grabado. Realizado con una sola tinta de color magenta, el protagonista es una figura humana, sin cabeza, que sitúa sentada en un espacio irreal, onírico y deforme -sello característico del autor y que revela otra de sus influencias: las imágenes desfiguradas, enigmáticas de Bacon-. Es preciso señalar su gran destreza técnica para el dibujo, sobre la que asienta su obra gráfica; con el dibujo no sólo estructura la base de la obra, sino que le permite también dar intensidad a las sombras y crear el volumen y el contorno de la silueta de la figura. Firmado en el ángulo inferior derecho. En el lado izquierdo, el número de tirada: 9/25

Ecos surrealistas, cubistas y expresionistas componen el lenguaje que Alfonso Costa emplea en este grabado, en el que compone un mundo imaginario, irreal y onírico siguiendo una línea que conectaría con pintores como El Bosco, Goya o Bacon. Juega con la idea de la fragmentación de la forma y con el espacio al presentar de espaldas al espectador una figura humana de la que tan sólo vemos las piernas; sin embargo, ésta proyecta dos sombras que nos permiten contemplar la totalidad de la misma y ver dos rostros; se trata de una imagen duplicada como si estuviésemos ante el efecto dúplice de un espejo. Son figuras humanas fragmentadas y distorsionadas; con todo, Costa nos permite ver una estructura anatómica fibrosa, que denota un profundo conocimiento de la misma. El grabado, hecho con una única tinta azul, destaca el dominio del dibujo que le permite crear la silueta de las figuras y potenciar las sombras que crean un gran contraste que evidencia la influencia de la pintura metafísica italiana, especialmente de la obra de Giorgio De Chirico, al tiempo que crea una atmósfera surrealista e inquietante. En definitiva, un mundo de sueños e imaginación que es creado por el artista. Firmado inferior derecho. En el lado izquierdo el número de tirada: 9/25.

El mundo que Alfonso Costa presenta tanto en su producción pictórica cómo en la obra gráfica, es producto de su imaginación y de los sueños en los que tienen cabida criaturas y espacios irreales. En este caso, el grabado nos muestra a uno de sus ser irreales característicos con los que Costa alude a que como parte del sentido irracional del ser aparece el animal en el hombre; así, bajo un cuerpo de forma humana, coloca en la cabeza una paloma y otra cabeza con pico. Es un mundo imaginario en el que esa figura parece avanzar en un espacio indefinido en el que emplea tintas de distintos colores que contrastan con la más oscura con la que compone la figura. El sarcasmo, la imaginación y el surrealimso tienen cabida en la obra de este artista de Noia. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Grabado que rfleja el gusto por los temas antropológicos y etnográficos gallegos que cultivó Pacios. Así, sobre un fondo rayado en tonos marrones y una superficie verde, superpone tres elementos que se asocian con Galicia: una campesina gallega en el ángulo superior derecho, un yugo con dos conchas en el medio y una rueda en la parte inferior de la obra.

Retrato de carácter introspectivo de Alonso III de Fonseca, fundador de la universidad compostelana, en actitud de meditación y estudio. Es la caracterización del humanista, del intelectual, iconografía que nos remite al referente contemporáneo, que en mayor medida refleja esta actitud: el Pensador de Rodin. Lo presenta sedente en actitud reflexiva incidiéndose, en este caso, en su relación con Erasmo dado que mantiene sobre una de sus piernas el volumen correspondiente al Enchiridion militiis christiani (1503). Así, Fonseca aparece ante nosotros como un meditabundo humanista. Firmado y datado: "Ramón Conde 96"

Obra figurativa en la que Pousa vuelve a reflejar su cautivación por los tipos populares; en este caso presenta un grupo compuesto por un niño y un anciano que aparece caracterizado coa boina. Estilística y técnicamente el autor se aproxima más a la influencia expresionista visible en los trazos negros y en el uso del color; la pincelada aquí es amplia pero de nuevo dotada de una gran libertad en el trazo. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Aunque la mayor parte de su obra está ligada a la abstracción geométrica, nos encontramos aquí un grabado figurativo, en el que hace una revisión de un tema religioso. Preside en el primer término una mujer de largos cabellos que está sentada en la hierba bajo la mirada supervisora del ojo divino que aparece en el aire; a la izquierda un ángel de pie que levanta con la mano una espada; en la derecha vemos a otro ángel y un pretil alambrado. Huete se sirve del juego con el negro y blanco para crear los espacios. Firmado en el a. i. i. " Huete". Nº serie a.i.i: 55/100

Figura que representa un ángel de manera muy esquemática. Tintas azul y ocre. Número de la tirada: 33/100. Enmarcado con cristal. Inscripción a lápiz en el a.i.i.: "33/100 Ängel oro y azul" y firmado en el a.i.d.: "Seoane"

En torno a la temática marina de barcos y puerto, Lugrís Vadillo recrea un mundo fantástico, representado aquí con un preciso grafismo. La verticalidad de la multitud de mástiles se ve reforzada por la insinuación de unas arquitecturas como telón de fondo, de clara inspiración goticistas reflejos lumínicos anaranjados, incendiarios. Firmado en el a.i.d.: "Lugris Vadillo/ Antibes"

Escultura de una mujer desnuda, de gordura exagerada, que adopta una postura de certa torsión. La obra forma parte de una serie de personajes iconográficamente característicos de la producción de Conde. La excesiva obesidad se muestra en toda su plástica voluminosidad, acentuándose por la desnudez y las posturas de estos personajes. La Ariadna remite además a iconografías prehistóricas vinculadas a la fecundidad femenina. 

La temática circense está presente a lo largo de la obra de Quessada, ya que le permite unir su gusto por pintar caballos y la referencia a la etapa azul de Picasso en la que el pintor malagueño trabajaba este tema. En esta obra, Quessada sitúa ante un fondo indeterminado y difuso un caballo, colocado de perfil, al igual que el arlequín, aunque éste gira el cuerpo y mira hacia el espectador al tiempo que levanta el brazo derecho. Las figuras están perfectamente delimitadas con el trazo del dibujo que denota sus aptitudes con esta técnica. La paleta cromática se reduce a tonalidades azules y grisáceas. Firmado en el a.i.d.

En ocasiones lo encontramos citado como "Caras". Individualización de un fragmento -el del ángulo superior derecho- del Mural de las Burgas de Ourense (bronce, 1984), mediante la reutilización del mismo molde. Se trate, así, de un relieve con los bocetos de dos rostros femeninos que emergen parcialmente de la materia, de una manera sutil, donde sólo la nariz y los labios son representados formalmente. A esta obra le confiere una delicadeza clasicista. El resto del conjunto se forma con la materia, trabajada a través de grumos e incisiones con la intención de jugar con las texturas. La curvatura de la placa acompaña la sensación de ingravidez de sus volúmenes. La preocupación volumétrica y el tratamiento exquisito de las texturas de la materia son dos constantes indisociadas en las piezas de Acisclo, siempre a medio camino entre la figuración y la abstracción organicista, entre el clasicismo helénico y la modernidad. Tarjeta en el reverso con datos identificativos (Acisclo, As Xémeas, 1988, dimensiones, USC). La pieza fue adquirida al artista el 30 de mayo de 1990 por la cantidad de 350.000 pesetas.

Xoán Pardiñas se mueve en esta obra en una línea que pasa desde la abstracción -sin llegar a abandonar nunca la figuración- al expresionismo, pasando por el Pop Art. El título de la obra "Bailón I" viene dado por la forma de figura en relieve que centra la composición y sugiere una forma de baile. Pardiñas juega frecuentemente, como ocurre en esta obra, con los collages o elementos en relieve, que le confieren una gran carga matérica. Llama la atención la paleta cromática vibrante que emplea, sobre todo los fucsias y malvas que lo vincularían con un gusto Pop Art. Firmado a. i. i. Comprado en 1990.

Xoán Pardiñas se mueve en esta obra en una línea que pasa desde la abstracción -sin llegar a abandonar nunca la figuración- al expresionismo, pasando por el Pop Art. El título de la obra " Bailón II" viene dado por la forma de figura en relieve que centra la composición y sugiere una forma de baile. Pardiñas juega frecuentemente, como ocurre en esta obra, con los collages o elementos en relieve, que le confieren una gran carga matérica. Llama la atención la paleta cromática vibrante que emplea, sobre todo los fucsias y malvas que lo vincularían con un gusto Pop Art.

Se trata de una marina en la que el motivo central son dos barcos veleros que la pintora resuelve de manera esquemático y elemental, en base a figuras geométricas -rectangulares con las que crea la barca y triangulares con los que resuelve las velas-. Son formas intencionadamente ingenuas, lo que se relaciona con la pintura naïf. Los colores son intensos; azules y verdosos para los barcos y el mar y el cielo representado con un color ocre. En la aparente simplicidad del cuadro, Dans logra crear la sensación de profundidad mediante una composición en base a líneas horizontales, que le sirven para situar el barco en el mar y crear la línea del horizonte; las sombras creadas por los barcos las trata la pintora mediante el oscurecimiento de la paleta cromática que emplea, la cual también le sirve para tratar los efectos lumínicos sobre el agua. Firmado en el a.i.d. "dans".

Grabado que tiene como protagonista la villa de Betanzos; en concreto, la vista del Puente Viejo -original del siglo XIII aunque con remodelaciones en el siglo XVI formado por cinco arcos de medio punto- situado por encima de la ría, al lado de la cual se suceden las arquitecturas tradicionales de la villa. El grabado está hecho a base de tonalidades azules, grisáceas y verdes, y juega con la técnica para crear la sensación de acuarela, buscando los reflejos en el agua. Firmado en el ángulo inferior derecho y, debajo de la firma, el título de la obra. En el lado izquierdo el numero de tirada: 41/175.

Cuando en 1973 el antiguo Café Moderno de Pontevedra es adquirido por la Caja Rural de esa ciudad, el mural "O manantial da vida" que Laxeiro había realizado en ese edificio entre 1940 y 1942 estaba en tan mal estado que el propio pintor decide hacer una copia sobre lienzo y situarla en el mismo emplazamiento ocultando la pintura mural original. Este dibujo supone un boceto de ese nuevo lienzo; se trata de una figura de una joven que centraría la obra del lienzo, que se componía de niños que son faunos, ángeles que son sátiros corriendo, doncellas adolescentes que bailan pareciendo bacantes. En el dibujo, Laxeiro presenta a una chica a pies juntillas que lleva una mano a la boca. En él vemos las características del pintor: el gusto por las formas redondeadas, las figuras sólidas y rotundas fruto de su vinculación con la estética del románico. Gran maestro en el dibujo, Laxeiro se sirve de esta técnica tanto para crear el rostro de la joven como para delimitar los perfiles y crear las sombras. "Estudio. Laxeiro. mural Pontevedra. 73". Comprado a la Galería Citania en 1980.

Dentro de la producción de Maria Antonia Dans, destacan los bodegones. En este caso nos encontramos con uno compuesto por cuatro figuras: una jarra en primer término decorada con flores, y tres botellas dispuestas en línea y creando profundidad en el cuadro. Los colores son las habituales en la pintora: gamas pasteles destacando las tonalidades azules y verdes matizadas que le sirven para dotar de volumen a los objetos. Firmado a. i. d. " dans"

Uno de los múltiples bodegones que realizó Prego de Oliver, pintor gallego de la primera generación de la posguerra. Comprado a la Galería Citania en 1981.

Estamos ante un bodegón que Pousa construye en una estancia de la que vemos la ventana al fondo y una mesa sobre la que sitúa los distintos elementos que lo compone: una jarra y manzanas sobre un mantel que cobre la mesa. Llama la atención la libertad y la soltura de la pincelada que evidencia el gusto del autor por la pintura impresionista, mientras que la austeridad del bodegón es una herencia de la obra de Zurbarán, que Pousa conocería durante su etapa de formación en Madrid. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Estamos ante un bodegón que Pousa construye con una silla y una mesa sobre la que sitúa los distintos elementos que lo componen: una jarra, unas naranjas y un mantel que no cubre la totalidad de esa mesa. Llama la atención la libertad y la soltura de la pincelada que evidencia el gusto del autor por la pintura impresionista, mientras que la austeridad del bodegón es una herencia de la obra de Zurbarán, que Pousa conocería durante su etapa de formación en Madrid. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Obra encajada en las nuevas abstracciones, presenta líneas horizontales en color negro sobre un lienzo sin preparación.

Pintura mural que representa una botella de forma globular con un barquito dentro. Está sobre una tabla que tiene encima una pipa de fumar. Son elementos marinos muy frecuentes en la pintura de Lugrís. Los colores también están muy identificados con el universo de Lugrís; el color verde marino que usa como fondo de la pintura pero que también es protagonista como los objetos representados, aludiendo mediante el al mar.

En la década de los 70 se produce el contacto profesional entre Luis Seoane y Mª Elena Montero. Por esos años el artista gallego realiza una serie de tarjetas para la Galería El Sol de Buenos Aires; a su vuelta encargará a Mª Elena Montero que los ejecute a partir de las tarjetas, siguiendo un método cifrado en el que cada número equivalía a un color, a una lana previamente seleccionada, de ahí que el tapiz conserve las composiciones características de Seoane de colores vivos y planos. Trabaja aquí básicamente con dos tonalidades de naranjas y el negro de los trazos lineales, que se convierten en elementos meramente indicativos de los rasgos faciales y de las anatomías. Las figuras responden a su gusto por las formas vigorosas y redondeadas. Firmado en el a.i.i. "Seoane" y en el a.i.d. : E.M. En el reverso tiene cosida una tarjeta de tela donde aparecen los siguientes datos: Autor: Luis Seoane Título: "Campesinos" Dimensiones: 2 x 1,20 cm. Nº 2/7 Tejido por Mª Elena Montero; taller: Pza. España, nº 7, 5º, Sada, A Coruña. Fecha: 1979 y la firma de autenticidad de Mª Elena Montero.

Durante la década de los 80, Bibián trabajó en una serie -que expone en la muestra del colectivo “Nombre” en Lugo en 1988-, que recoge un trabajo en el que las formas que presenta tienen su punto de partida y la más clara influencia en la pintura prehistórica, con la que pretendía recuperar el comienzo de la pintura y reivindicar el valor y los modos de hacer en los comienzos del arte. Son figuras de animales, en este caso perros, que ineludiblemente nos traen a la memoria las pinturas murales de la época magdaleniense y las cuevas del Levante español. Con respeto a la técnica, destaca el carácter gestual de la pincelada, el ritmo vibrante de los colores que aportan ricos matices cromáticos destacando la gama de los grises y el trazo del negro. Firmado en a. i. d.

En este grabado se representa una multitud de rostros, todos mirando hacia arriba. En primer término se ve un hombre y una mujer, esta última con un niño en el regazo. Alrededor del cuello del hombre hay una inscripción del autor: "Ouxetos alleos no ceo de Galicia – Estase a perder toda esperansa -- Grabou Díaz Pardo en septembro de 1984". Se relaciona con un lenguaje expresionista. Firmado a. i. d. "Díaz Pardo", y en el a.i.i. el número de serie 55/100.

Una serie de una docena de rostros que ocupan la mayor parte de la superficie pictórica; de nuevo, y tal como es el habitual en la obra de Tomé, la figura humana es la protagonista. Plenamente neoexpresionistas, el autor concibe estos rostros a modo de máscaras, de las que tan sólo vemos la silueta, el perfil. La expresividad está lograda con el uso de un color: el negro, con el que cubre gran parte de la superficie pictórica aplicado de forma enérgica y en grandes cantidades de materia.

Dentro de sus últimas composiciones, se encuentra este acrílico de Caruncho, una obra completamente abstracta que se sustenta en base a dos principios: color y geometría, deuda de su vinculación con propuestas suprematistas y constructivistas. La superficie pictórica está dividida en tres franjas de color horizontales y paralelas en la que se juega con distintas tonalidades de grises, rojos y amarillos. Sobre estas bandas se trazan unas líneas en blanco y gris que fragmentan la obra generando planos geométricos, fracturas y una enorme tensión a la obra, creando la sensación de que se trata de un puzzle. Firmado por el autor en el ángulo inferior derecho.

Se corresponde con el cartapacio “Vidreiras para Compostela”, serie limitada integrada por seis piezas gráficas de Luís Caruncho acompañadas por su respectivo poema de Miguel Anxo Fernán-Vello, Ramiro Fonte, Pilar Pallarés, Manuel Rivas, Xavier Seoane y Xulio Valcárcel.

Paisaje de un frente urbano, de fachadas estrechas y alargadas, dispuestas con el característico apiñamiento. Son formas sencillas y elementales, con una ingenuidad que se aproxima al naïf. Destaca la paleta cromática con la que individualiza cada vivienda, de nuevo con las tonalidades cálidas características de la autora.

Durante la década de los 80, Bibián trabajó en una serie -que expone en la muestra del colectivo “Nombre” en Lugo en 1988-, que recoge un trabajo en el que las formas que presenta tienen su punto de partida y la más clara influencia en la pintura prehistórica, con la que pretendía recuperar el comienzo de la pintura y reivindicar el valor y los modos de hacer en los comienzos del arte. Son figuras de animales, en este caso ciervos, que ineludiblemente nos traen a la memoria las pinturas murales del período magdaleniense y de las cuevas del Levante español. En lo relativo a la técnica, destaca el carácter gestual de la pincelada, el ritmo vibrante de los colores que aportan ricos matices cromáticos destacando la gama de los grises y el trazo del negro. Firmado a. i. d. "Bibián 85"

Obra que representa a cinco mujeres de poses relajadas y aires ausentes; mujeres vistosamente vestidas, con faldas largas y paños en la cabeza. Son característicos en la obras sobre tabla, como esta, los trazos en relieve, extendiéndose en la ornamentación en el realce de las ropas de las campesinas, a modo de los bordados populares. Recrea un universo de ingenuidades y elementalidades, impregnado de un primitivismo popular. Firmado en el ángulo inferior derecho.

La temática circense está presente a lo largo de la obra de Quessada, ya que le permite unir su gusto por pintar caballos y la referencia a la etapa azul de Picasso en la que el pintor malagueño trabajaba este tema. En esta obra está presente por un lado la apariencia general de la misma, de carácter surrealista y, por otra, la violencia cromática y la distribución arbitraria de los colores nos hablan de una cercanía a los postulados estéticos del Pop Art o el Expresionismo. Compone la escena con un grupo principal en la que aparece una figura femenina montada sobre el caballo, el cual está siendo guiado por una mujer desnuda. Completan el grupo dos arlequines; todos ellos centran la composición que se completa en un segundo término con un paisaje en el que se distinguen las tiendas de campaña del circo. Comprado a la galería Citania en 1981. Firmado en el a.i.d. : "Quesada 69"

Obra que pertenece a su serie de "Recortes en el espacio", en la que ofrece una reflexión sobre el espacio construido equilibradamente por una sutil geometría de líneas y planos de color. Está presente en su obra la voluntad estructuradora y ordenadora del espacio pictórico, en este caso sometiéndolo a las formas cuadrangulares, individualizadas mediante un trazo negro, dando la apariencia de la forma de ventana. El lenguaje que emplea es el específico de la pintura, es decir, el color, la pincelada y la mancha.

Líneas y planos de color, que constituyen formas orgánicas, a alguna referencia geométrica, en una composición dominada por el ritmo de esas formas, un ritmo en este caso centrípeto. Paleta sobria, de ocres, grises y negro, como colores predominantes. Firma y fecha en el a.i.d.: " Huete 71". Comprada a la galería Citania en 1981.

Xaime Quessada aborda en este grabado un tema mitológico, un mundo de mitos y leyendas en el que las ninfas eran cortejadas por faunos en paisajes oníricos. En un ambiente bucólico, el artista construye una escena en la que un grupo formado por dos mujeres y un hombre escuchan a un efebo que toca una flauta doble. Técnicamente el grabado refleja el virtuosismo del autor con el dibujo al perfilar nítidamente las figuras, recordando la pintura de las cerámicas griegas, pero también la obra de Picasso, que sería una constante influencia a lo largo de su carrera. La obra está firmada en el revés, en el ángulo inferior izquierdo dentro de la placa, y fuera en el ángulo derecho. Firmado en el a.i.i. "Quessada 1984"

Obra de madurez de Seoane que representa a una mujer de medio cuerpo inspirada en las campesinasc rurales. Firmada en el ángulo inferior izquierdo. Fue donada por su viuda, Dª Elvira Fernández López, en 1992.

De enorme carga expresionista, Sucasas presenta en este dibujo la angustia vital de un hombre que, de rodillas y con las manos levantadas, parece suplicar algo. Sitúa el protagonista en el primer término de un espacio al fondo del cual aparece una barca varada y la luna. Ambiente nocturno, oscuro y negro, en el que tan sólo se ilumina el hombre. Ofrece Sucasas una dura visión existencial del hombre y de la condición humana en la que están presentes la soledad y la angustia. Supone un excelente ejemplo de la capacidad del autor para el dibujo; aprovecha las capacidades que esta técnica le ofrece para perfilar la figura y definir sus rasgos, crear las zonas de sombras, zonas difuminadas y otras rayadas. Comprado a la Galería Citania en 1981. Firmado en el a.i.d.

En una estancia vacía de la que tan sólo vemos en el fondo una ventana, Sucasas representa a un grupo compuesto por tres figuras: el hombre, en primer término, sentado en una silla, se agacha y apoya la cabeza sobre las rodillas; en segundo término, un niño que apoya una mano en esa silla mientras que la otra la lleva a la boca haciendo un gesto de miedo o sorpresa; por último, una mujer vestida de luto y con un paño en cabeza. Tipos populares de gran expresividad que a Sucasas le sirven para crear todo un repertorio gestual sobre el dolor, la desesperanza o la angustia humanas, que acentúa al representarlos en una habitación completamente vacía. Rayado, difuminado y sombreado son otros recursos que emplea en la composición de este dibujo. Comprado a la galería Citania en 1981.

De la etapa inicial de Luis Seoane es este dibujo en el que se representa a dos hombres sentados sobre rocas. Se trata de un dibujo de gran sencillez pero que sirve para mostrar la destreza del autor en esta técnica y algunas características que estarán presentes a lo largo de su producción: la solidez de las figuras, la sencillez de la composición y el gusto por las formas redondeadas, línea curva con la que crea el perfil de las figuras. En la parte superior derecha, firmado por el autor y en la izquierda, la fecha.

Dentro de la etapa inicial de Seoane se incluye este dibujo en el que se representa a dos mujeres; a la derecha, una mujer sentada sobre una roca y, a la izquierda, otra que parece más joven, desnuda con árboles detrás. El tema de la mujer se convertirá en el icono de la representación de Luis Seoane, como homenaje a la mujer campesina gallega. Se trata de un dibujo de gran sencillez pero que sirve para mostrar la destreza del autor en esta técnica y algunas características que estarán presentes a lo largo de su producción: la solidez de las figuras, la sencillez de la composición y el gusto por las formas redondeadas, línea curva con la que crea el perfil de las figuras. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. En el lado derecho, la fecha.

Retrato de cuerpo entero del arquitecto barroco Domingo de Andrade, que sentado en una silla, se representa en una actitud reflexiva, quizás ideando alguna de sus obras, como sugiere el esbozo de la torre del reloj de la catedral de Santiago que vemos en la mitad izquierda del lienzo. Firmado en el  a.i.i.: " Felipe Criado/ 1972"

Obra reciente de Xaime Quessada. Representa a dos mujeres en un interior, probablemente en una habitación. El tema recuerda a los grabados bucólicos que había hecho años antes para ilustrar la obra de Ramón Cabanillas A rosa de cen follas. Las mujeres pueden recordar a antiguas diosas griegas, una de ellas -la del primer término, de perfil- está vestida con una túnica que se pega a la piel transluciendo la anatomía. La otra está desnuda y gira la cabeza como si estuviera mirando fuera de la estancia. Quessada emplea aquí una técnica mixta a base de acuarelas y lápiz de colores. Destaca la labor del dibujo con el que recorta la silueta de los cuerpos y el color que contribuye a dar volumen a los cuerpos. Firmado a. i. d. "Quessada 1994"

Firmado a. i. d. "Rut Massó"

Junto a una vertiente primitiva que bebe de la tradición autóctona galaica, Vidal Abascal desarrolla otra vía que encuentra sus raíces en el expresionismo de Nolde o Ensor; así nos encontramos dos figuras, una de ellas de espaldas y agachada, y la otra de pie, juntando las manos y girando la cabeza como si estuviera mirando a la otra mujer. Son figuras fuertes y sólidas que destacan nítidamente sobre el fondo rojo, expresivas; destaca la exageración en la representación de las manos y de los pies. Técnicamente, Vidal Abascal emplea pinceladas anchas y vibrantes, muy empastadas y llenas de luz. Firmado en el ángulo superior derecho.

Virxilio se sirve del paisaje de su entorno, de las tierras orensanas, para reflejarlo en su obra, lo que le confiere un carácter íntimo y sentimental. Compone ordenadamente el espacio pictórico a través de los elementos con los que estructura la obra: árboles en el primer término, campos en el segundo, y colinas en el último. La verticalidad del tronco de los árboles contrasta con el carácter ondulante de las copas y de las montañas que Virxilio obtiene a través de la pincelada, de nuevo densa. En lo referente a los colores, vemos la preferencia del autor por el cromatismo fuerte, en este caso a base de tonos verdes y tierras. Firmado en el ángulo inferior izquierdo.

Una joven sentada a una mesa, contempla al creador, ataviado como un dios de la mitología griega, como la imagen del Dios-Arquitecto, que está construyendo una pieza a base de formas geométricas básicas. Características de la obra de Xosé Luis de Dios es el gusto por llenar la superficie pictórica de figuras y objetos sin dejar ningún espacio vacío; este aparente caos de los objetos se contraponen con la organización geométrica en la composición. Inscripción en latín en la parte inferior hacia el centro: " QUOD NIHIL SCITVR", ("Que nada se sabe"), título de la obra del médico y filósofo renacentista Francisco Sánches". Firma y fecha en el a.i.d. Inscripciones en el reverso: "José Luis de Dios/ [ilegible] 86/ MOIHTHE"

Grabado perteneciente a la serie "Imagen Surreal de Galicia", editada en 1977. Con esta serie pretendía contar su personal historia de Galicia, reconstruyendo imágenes que iban desde los Oestrynnios, los Milesios, el Medulio y la Edad Media hasta la Edad Contemporánea. En ella emplea un lenguaje personal en la que mezcla ecos surrealistas, picassianos y goyescos. En este grabado, Quessada hace referencia a la historia de los celtas en Galicia. Nemetobriga era el principal centro religioso de la España celta que, según la historia, estaría situado en Ponte Navea o en Pobra de Trives. El término "nemet" -que da título a este grabado-, tenía para los celtas el significado de bosque sagrado, santuario o lugar sagrado; es decir, un lugar donde se reunía el pueblo para los actos religiosos, adorar los dioses y hacer sacrificios. Y una escena ritual parece que es la que se está representando, ya que Quessada llena el grabado de toda una serie de faunos, ninfas y seres monstruosos que las sujetan. Diferencia, en la técnica, las figuras; mientras que las figuras femeninas son personajes tiernos, trazados con una línea firme, delicada, ondulante y continua, los monstruos son dibujados con un trazo nervioso, corto y repetido de infinidad de rayas.

Representa dos figuras; el preceptor vestido de blanco y con sombrero quien con el brazo derecho levantado parece explicar algo a un niño. Las figuras, nítidamente perfiladas, aparecen tratadas sucintamente a través de formas fuertes y con los rostros caricaturizados, la influencia expresionista, el recuerdo de las máscaras de Ensor está presente en la obra. Obra de temática social que forma parte de la exposición de Vigo de 1976. Firmado en el a. i. d.

Grabado perteneciente a la serie "Imagen Surreal de Galicia", editada en 1977. Con ellos pretendía contar su personal historia de Galicia, reconstruyendo imágenes que iban desde los Oestrynnios, los Milesios, el Medulio y la Edad Media, hasta la Edad Contemporánea. En ella emplea un lenguaje personal en el que mezcla ecos surrealistas, picassianos y goyescos. Se trata de una escena poblada de seres mitológicos en los que vemos monstruos, minotauros -que hablan de la influencia de Picasso-, y ninfas. Diferencia, en la técnica, las figuras; mientras que las figuras femeninas son personajes tiernos, trazados con una línea firme, delicada, ondulante y continua, los monstruos son dibujados con un trazo nervioso, corto y repetido de infinidad de rayas.

Realizado en la primera etapa de Luis Seoane es este dibujo en el que representa a un vagabundo, un hombre acostado que apoya el codo en una piedra, tiene el bastón delante de él, posado en el suelo. Se trata de un dibujo de gran sencillez pero que sirve para mostrar la destreza del autor en esta técnica y algunas características que estarán presentes a lo largo de su producción: la solidez de la figura, la sencillez de la composición y el gusto por las formas redondeadas, línea curva con la que crea el perfil de la figura.

De espaldas al espectador, Lodeiro muestra en esta obra dos figuras abrazadas que se sitúan ante un paisaje apocalíptico, irreal compuesto a base de campos de color y formas geométricas iluminado con una fuerte e irreal luz de atardecer. En cuanto a las figuras, aunque muy esquematizadas, no llegan a la simplificación absoluta que suele presidir su producción figurativa, en la que se distinguen las formas de las cabezas, espaldas, brazos y piernas. Contrasta el perfil de estas figuras contra el paisaje, así como las gamas cromáticas: mientras que las figuras se componen a base de grises y verdes, el paisaje se basa en tonos rojos, malvas y azules. Firmado en el ángulo inferior derecho, acompañado de la fecha. Fue comprado a la galería Citania en el 1981.

Siguiendo una composición simétrica, Nolo Suárez presenta una obra sobre tabla que divide en dos a través de una franja de color verde. A la izquierda sobre un fondo de colores verdosos y amarillos, se superponen tres círculos azules, que tienen su correspondencia en la otra mitad de la obra con tres rectángulos de colores naranjas sobre un fondo azul; uniendo ambas partes sitúa una franja blanca de forma ondulante. Los colores húmedos aparecen como resbalando sobre el soporte pictórico, dando la sensación de que es el propio tiempo el que configura el resultado final. Firmado en el a.i.d. Donación del autor.

Obra escultórica realizada por Elena Colmeiro en la década de los '70.

Obra paisajística en la que Pousa representa el trabajo del campo, la siega del maíz que está recogiendo un grupo de tres personas que siguiendo un esquema piramidal ocupan en el primer plano el centro de la composición, mientras que en un segundo término otra persona regresa con una cesta en la cabeza. El espacio compositivo de la obra está formado por la sucesión de distintos planos: el primero, en el cual está el grupo principal; el segundo, con la otra figura y el hórreo; y en último término un paisaje de montaña en el que se vislumbra un pequeño cortijo. Estamos delante de una obra llena de luminosidad, de colores intensos y trazos nerviosos y rápidos poniendo de manifiesto el tratamiento realista de Pousa del paisaje, de deuda impresionista.

Imagen del trabajo cotidiano en un pueblo marinero. En primer término, vemos un hombre trabajando con las redes y dos mujeres con cestas en la cabeza. Detrás, a la derecha, aparece una mujer sentada y al fondo, una figura y las casas. Hacia el lado izquierdo vemos una barca y el mar. Vinculada al quehacer impresionista, la pincelada es rápida y nerviosa, y resulta exultante en luminosidad y color.

En esta escultura de hierro, el autor juega con el ensamblaje de piezas geométricas simples y de corte constructivo: un rectángulo, una herradura y dos brazos metálicos; piezas grandes y compactas, creando con la pieza un desarrollo abstracto en el espacio y aproximándose con ella a las propuestas de Chillida.

En este grabado, Sucasas parece hacer una reinterpretación del tema Expulsión del Paraíso de Adán y Eva, que varias veces realizaría a lo largo de su producción artística. Así, ante un paisaje de fondo, el autor presenta sobrevolando dos figuras, una masculina y otra femenina que parecen huir. Realiza el grabado con una sola tinta; su conocimiento y capacidad para el dibujo, le permite crear perfectamente las siluetas de las figuras, volumétricas y de formas redondeadas, características del autor. Comprado a la galería Citania en 1981 Firmado en el a. sd.:"SUCASAS"/70

En sus primeras obras, Acisclo trabaja exclusivamente con la madera; en este caso tenemos una talla de estilo expresionista de un grupo compuesto por un hombre, una mujer y un niño. Con respecto a la técnica, se observa la talla de la gubia al trabajar la madera con incisiones y cortes alargados. Son figuras estilizadas, rígidas y ausentes de movimiento; aparece ya la valoración del hueco que se convertirá en una característica de su obra.

Obra figurativa compuesta por un hombre y una mujer que aparecen entrelazados. Las figuras quedan reducidas a simples siluetas claras de formas redondeadas que recuerdan la obra picassiana. En este caso, Maside no emplea la violencia cromática que caracterizará sus obras posteriores, sino que se decanta por tonos suaves, rosáceos para los cuerpos, y grises, azules para el fondo. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Esta obra de este artista ourensano está dentro de la figuración y de la abstracción; es figurativa porque bajo un aparente entorno caótica, se intuye una forma que podría recordar la de la un animal. Sin embargo, la pincelada caótica, el entorno indefinido dan a la obra una apariencia más abstracta. Es característica del pintor el colocar una figura a solas en un lugar, una imagen difusa de colores oscuros que denota una contención que se contrapone con el carácter visceral y temperamental de su pintura. Enmarcado con cristal. Firmado en el a.i.i.: "21-1-82/ Alexandro"

En esta obra de grupo, Bóveda plasma fielmente su estética vinculada al regionalismo gallego. Retrata esta familia siguiendo un esquema piramidal, en el que se inscribe la figura de la madre que abraza y sujeta a sus hijos. Técnicamente se repiten las características de su estilo: la rudeza de las figuras, de un cierto primitivismo, de perfiles redondeados y delimitadas con un grueso dibujo negro, así como la pincelada dinámica y empastada, cargada de materia. Firmado a. i. d.

Tierna visión de una escena enmarcada en el mundo rural o campesino, en la que una cría, un ternero, está amamantando de la madre, la vaca; una experiencia con asombro contemplada por los niños, significados por sus cabezas en el ángulo superior derecho. La sinuosidad de las formas, enmarcadas por el trazo grueso y sintético, reflejan esa ingenuidad característica del artista; la gama cromática se centra en los verdes y sobre todo en los azules, con toques de amarillo y rojo, acentuando a través de ella y por la disposición de la figuración la sensación de recuerdo idílica. Firmado en el a.i.d.: "Vidal Souto".

Nueva figuración de influencia expresionista. En la producción pictórica de Morquecho, la figuración adquiere una carga que refleja cierta sensación de sufrimiento y tristeza. En esta obra, Morquecho presenta a un grupo de nueve personas tratadas colectiva y no individualmente, mostrando en sus rostros esos sentimientos; las sitúa en un interior, un espacio apenas definido, sombrío y oscuro, casi en penumbra que contribuye a aumentar esa sensación de inquietud. Son obras de raíz expresionista en las que el autor se sirve de una paleta cromática apagada, con los contornos gruesos en negro y trazados de una manera rápida y vigorosa. Firmado a. s. i.

José Manuel García Iglesias / Silvia Hermida Sánchez

Xurxo Martiño, un artista conceptual perteneciente a la nueva generación de pintores compostelanos que en la década de los noventa se decantó por pintar paisajes urbanos y faros a través de una pintura matérica, resaltada con diferentes escalas de color, pigmentos y texturas. Con esta técnica, y gracias a la utilización de una gama cromática que osciló entre los blancos, los azules y los negros, el pintor consiguió producir grandes efectos de luz y sombra.

Sencillo bodegón compuesto por un vaso con flores que centra la composición y uvas en el primero término. Destaca el decorativismo del vaso, algo que es habitual en el autor, además del cromatismo, la base de tonalidades cálidas, separando con un trazo más claro las distintas flores y hojas que componen el bodegón. Logra la sensación de profundidad a través de la disposición ordenada de los distintos elementos dentro del cuadro y también por medio del color.

Escultura hecha con motivo del V Centenario de la USC. Acisclo parte de sus torsos característicos para ofrecernos una figura que recuerda indudablemente la una niké: la Victoria de Samotracia que tanto le impactó y le influyó a lo largo de su producción artística. Pero no sólo el tema es clásico; la técnica también lo es, pues en los viajes que Acisclo hizo por todo el mundo, quedaría impresionado por la escultura griega, arcaica y clásica, de ahí el recuerdo de los paños mojados fidíacos, que transparentan la silueta de esta obra que se clasificaría dentro de una peculiar modalidad de abstracción figurativa o figuración abstracta. La forma de la niké clásica le sirve al escultor para crear la pieza con la sucesión de planos curvos y ondulantes tan característicos. Los cuerpos desprovistos de cabeza, las extremidades tan sólo sugeridas, que rompen la horizontalidad y recuerdan las victorias aladas, son características de su última etapa. Con respeto al material, aquí emplea el bronce con una pátina verdosa. Firmada

En una escena casi en penumbra, Sucasas presenta un grupo de gente que va en procesión; las figuras, casi todas mujeres excepto un niño, visten de negro y apenas se distinguen los rostros de los que discurren en último término junto con el niño que reciben una mayor iluminación. Son figuras expresionistas en las que el autor sigue una línea que pasaría desde Goya a Laxeiro pasando por el expresionismo germano. En el margen inferior derecho vemos un sello que dice: "Schollers Hammer"(69). Firmado en el a.i.d. Comprado a la Galería Citania en1981.

Dibujo de Maruja Mallo que representa una guitarra. Firmado y datado a. s. d.: " M Mallo - 40"

Escultura organicista de gran formato y hecha en hormigón, material que le resulta propicio para esta escala monumental. Se inspira en las formas de la naturaleza, a través del ritmo de sus huecos, concavidades, relieves y ondulaciones, como si fuera la propia naturaleza a que configurara su forma resultado quizás de los efectos de los agentes erosivos, pues son los fenómenos geológicos -de fosilización o erosión- los que toma como fuente de inspiración.

La producción de Irago Silva se encuadra dentro del ámbito de la figuración. Las figuras, principalmente mujeres, son las protagonistas de sus obras en escenas de maternidad o escenas de género. En este caso, nos encontramos con una composición casi simétrica, en la que a través de dos ventanas vemos los rostros de dos mujeres, una con los ojos cerrados y la otra con ellos abiertos. Ambas ventanas permiten vislumbrar al mismo tiempo una arquitectura en el fondo. En relación con la técnica, Ramón Irago trabaja en este caso con una textura muy lisa y una gama cromática en tonos pasteles donde tienen cabida los verdes, amarillos, naranjas o tostados. El dibujo le sirve para definir las siluetas tanto de los edificios como de las figuras, tratadas éstas con gran sencillez. Firmado en el a.i.d.

Grabado que representa una cabeza de hombre de perfil con la boca abierta y la lengua fuera. Lleva una gorra en la cabeza. Los colores son fundamentalmente azul oscuro, azul claro y ocre. El fondo es ocre y la figura en los diferentes azules. De la mesma serie se conserva un ejemplar en la Fundación Luis Seoane.

Mural de madera roja tintada, compuesto por varias piezas ensambladas y sujetas a un soporte (un contrachapado de aglomerado). Refleja un episodio vivido por el artista en la sevillana calle de San Luis. Sobre el fondo negro, los cuerpos extienden los brazos, se agitan en acciones de gran movimiento y fuerza como queriendo sobresalir. Con su característico tratamiento de texturas y tonos y con un lenguaje figurativo de gran expresividad, Leiro plasma, más que un hecho, un impacto emocional. La expresividad y la tensión se muestran a través del rudo tratamiento material, en las desproporciones de los cuerpos y en la desmesura formal, en la distorsión y en la policromía que, como elemento consustancial de la pieza, resalta los significados. Leiro traslada a lo tridimensional el desgarro figurativo de las vanguardias internacionales de los ochenta. Fue adquirido al artista en 1990.

Junto con el paisaje rural, Virxilio trabaja también el paisaje urbano, que supone un vistazo a la transformación de la sociedad gallega del momento y la influencia de su estancia berlinesa. Concebidas con la apariencia de carteles, el autor muestra una vista de una villa, en la que vemos en primer término las casas y en el último las iglesias. Son arquitecturas concebidas geométricamente, de líneas puras, sirviéndose del dibujo para individualizar cada elemento mediante trazos gruesos. Los colores son vivos, destacando los amarillos y naranjas y la pintura es empastada creando los relieves característicos del autor. Firmado en el ángulo inferior izquierdo.

A lo largo de su producción, la obra de Xoán Pardiñas se aproximará a posturas cercanas a la abstracción. En este caso, la influencia más cercana es la pintura de acción norteamericana, de ahí la apariencia general de la obra que aparece salpicada por distintos colores ante un fondo gris, juego de grises y blancos que son claves identificativas del autor; igualmente es importante la técnica, trabaja con una pincelada cargada de materia que le sirve también para crear texturas. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Este cuadro de gran formato representa la bendición de una casa por la madre, que acontece el día de San Silvestre, el 31 de diciembre, para expulsar los demonios, meigas y pecados. En la parte inferior del cuadro, vemos a la familia, la madre está bendiciendo para expulsar pecados como la gula, la lujuria, la avaricia y la envidia, pero también el demonio que aparece representado en forma de serpiente sobre la que va montada una bruja y el duende. En la parte superior del cuadro vemos a San Silvestre que viene a expulsar a los malignos, acompañado de un ángel y la Santa Compaña. El autor presenta una gran preocupación por la luz, y en este cuadro en concreto intenta conseguir los matices cromáticos de las zonas de sombra, para lo cual recurre a los azules y violetas que acabarán por ser característicos de sus obras. Firmado en el ángulo inferior izquierdo, datado en 1966, año en el que fue retocado, pero en realidad es de 1954.

Obra encargada por la USC a la pintora viguesa Menchu Lamas, con motivo de la celebración en 2023 del centenario del Seminario de Estudos Galegos. Se trata de una versión actualizada de los tradicionais "vítores" universitarios, siendo ésta la primera ocasión en la que la USC le dedica un vítor, no a una persona, sino a todo un colectivo.

De apariencia onírica, Quessada centra la composición con la luna, blanquísima, que preside la mayor parte de la superficie pictórica. Ésta queda estructurada en dos partes por medio de una línea horizontal; sobre el cuadrilátero de la parte inferior sitúa una pareja, acostada y abrazándose, y encima de esta escena, la luna. Quessada realiza una obra perfectamente equilibrada y ordenada geométricamente; las figuras se organizan bajo un esquema piramidal, centrando el vértice del triángulo. Llama la atención el colorido vibrante que denota el conocimiento del Op Art o de la Pop Art que Quessada conocería durante sus viajes por Estados Unidos.

Se trata de una de las obras que realizó Quessada para el Aula Magna de la Facultad de Económicas y Empresariales después de un viaje que hizo por América.

Emblemática pieza, conocida como "El gallo" o "La Pasionaria". Muestra de su imaginativa y grandilocuente lenguaje, se trata de una monumental invención, un ser imposible, fantástico, con cierta apariencia prehistórica, producto de la acumulación de elementos dispares. Características presentes en las obras de Camilo Otero como el humor o la ironía, la mezcla entre realidad y surrealismo o el primitivismo, están presentes en esta pieza, sobre la que el autor dijo que se trataba de una síntesis del Otero más libre, auténtico y pasional y se lograba personificar el ingenio " neo- dadá con esquemas figurativos". El original de esta pieza está realizado en madera de roble y se encuentra en un parque de Turín y se entiende dentro de una etapa en la que el autor realiza grandes figuras en madera de formas rústicas y potentes.

Retrato de grupo de mujeres labradoras, ataviadas con las ropas de trabajo y el característico paño en la cabeza. Lejos de la idealización, es la condición trabajadora de la mujer gallega la que se destaca, desde la niñez a la vejez, en una clara evocación del matriarcado. Estas mujeres son personas curtidas por la dureza del trabajo del campo, de ahí que todas presenten una estructura ósea fuerte, una musculatura correosa y una piel quemada por el sol. Garabal apuesta por una poética de lo feo, frente al idealismo de la generación anterior.

Ante un fondo paisajístico, Lodeiro sitúa la figura de una mujer. Ésta -aunque realizada mediante planos- queda reducida a una simple silueta, vestida o abrigada por una envolvente espiral, toda ella en tonos azules. La estática figura se presenta delante de un fondo paisajístico, irreal, casi apocalíptico compuesto a base de bandas cromáticas que van del rosa al amarillo, habituales en su quehacer. Firmado en el ángulo inferior izquierdo.

La peculiar característica que el autor le confiere a la figuración en su obra hizo que se asignara el término "figuras tipo Lodeiro". Éstas -como en el caso de esta obra- se componen a base de una sucesión de planos de gamas cromáticas grises, ondulantes hasta crear una forma cónica. Las figuras quedan reducidas a simples siluetas y de las que únicamente vemos el rostro, principalmente la mirada expresiva. En este cuadro, Lodeiro no sitúa las figuras delante de un paisaje, sino ante un fondo neutro azul, del que parecen sobresalir, recortadas ambas figuras. Firmado en el ángulo inferior derecho.

La combinación de bandas de distintos colores -negro, rojo, verdes, naranjas-con ciertas ondulaciones que quiebran la rutinaria secuencialización horizontal, sugiere una representación paisajística con una evidente tendencia a la abstracción. Probablemente estamos delante de una vista marítima, con una luz de atardecer rojiza que asoma al fondo del cuadro detrás del que sería el perfil de la costa, sugerido por esa franja ondulante de color negro. Estamos ante una composición habitual de Lodeiro, en la que toma elementos reconocibles del paisaje: el mar, la costa, para luego sencializar y esquematizar esos elementos hasta llegar casi a la abstracción.

Paisaje marítimo en el que las formas son geometrizadas y sintetizadas al máximo, siendo sometidas a un rígida orden. Compone el cuadro en dos mitades claramente diferenciables; la superior está articulada a base de un fondo rojo sobre el que se recortan montañas de color negro. En la parte inferior, la representación del mar mediante bandas azules paralelas que alternan con otras más estrechas de color rojo; en el centro aparece un recuadro enmarcado en negro con el interior de color amarillo. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Artista comprometido políticamente, Quessada se sirvió de las distintas técnicas artísticas como instrumento de denuncia, bien fuera pintura, obra gráfica o carteles. En este caso, se trata de un grabado titulado "Los delitos del hombre" que denuncia la guerra y la tortura física al presentarnos en una celda las imágenes del que parece ser un hombre mutilado en la parte superior y, en la inferior, otro hombre atado y apilado sobre un montón de restos humanos. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Grabado perteneciente a la serie "Imagen Surreal de Galicia", editada en 1977. Con ellos pretendía contar su personal historia de Galicia, reconstruyendo imágenes que iban desde los Oestrynnios, los Milesios, el Medulio, y la Edad Media hasta la Edad Contemporánea. En ella emplea un lenguaje personal en el que mezcla ecos surrealistas, picassianos y goyescos. Artista comprometido políticamente, emplea el arte como un arma reivindicativo en el que Quessada se opone a la guerra, al holocausto, a la tortura; así vemos a un hombre atado de manos y a una mujer que yergue la cabeza y levanta los brazos en señal de denuncia, que denota la influencia de Picasso al igual que el minotauro que es el alter ego del pintor malagueño. Se completa el cuadro con otra serie de seres fántásticos producto de la imaginación de Quessada. El espacio está perfectamente creado, en base a un rigor geométrico creado por las líneas de profundidad que convergen en el fondo, en el cual aparecen dos puertas.

Grabado perteneciente a la serie "Imagen Surreal de Galicia", editada en 1977. Con ellos pretendía contar su personal historia de Galicia, reconstruyendo imágenes que iban desde los Oestrynnios, los Milesios, el Medulio y la Edad Media hasta la Edad Contemporánea. En ella emplea un lenguaje personal en el que mezcla ecos surrealistas, picassianos y goyescos. En este caso, el tema que se representa es el fusilamiento de los mártires de Carral, acontecimiento que se produjo en 1846 a consecuencia del alzamiento del coronel Solís y los militares que lo acompañaron en el levantamiento contra el presidente Narváez con el motivo de reivindicar la libertad regional de Galicia. Así encontramos en el grabado una escena de lapidación en la que vemos a un hombre atado a una cruz; además, una niña en el primer término que aparece inmóvil, frente al movimiento del resto de la acción, portando una vela encendida en señal de esperanza frente a la tragedia, al igual que en el Guernica. El resto de las imágenes remiten también a la influencia de Picasso: el minotauro, símbolo del alter ego picassiano, la cabeza de la mujer en la parte superior que está tocando la flauta, o el gesto de dolor de la otra mujer que parece pedir fin a la masacre. Todas las figuras se sitúan ordenadamente en el espacio trazado geométricamente por medio de un suelo ajedrezado.

Seguiendo la temática frecuente en la obra de Pacios, el autor representa en este grabado una escena costumbrista protagonizada por un grupo de tres labradores, dos personas adultas y un niño, que están almacenando el grano en sacos. La escena se sitúa en un campo en el que vemos un hórreo detras. Se encuadra el estilo del autor dentro del expresionismo que refleja en la caracterización ruda de los personajes y del violento contraste de los claroscuros.

El paisaje de su tierra natal se convierte en una fuente de inspiración para Quessada. El pueblo de Lucenza es representado en diferentes ocasiones; se trata de la vista que rodea a su casa. Entre dos castaños, el artista nos muestra las tierras de prados y campos que se suceden. Llama la atención el colorido, en el que se percibe la influencia de la luz mediterránea, frecuente en las obras del autor debido a las temporadas que pasó en su taller de Ibiza. Podemos decir que aquí Quessada une el concepto de una luz mediterránea con los colores propios de un paisaje gallego: los verdes del prado o los colores rojizos de los árboles. Anteriormente estaba en el Parlamento de Galicia y a finales de 1996, por cuenta de la USC y por indicación del artista, se trasladó a la USC.

En este grabado, madre e hijo, en tierna actitud, llenan todo el primer término delante de un fondo apenas esbozado y descrito con concisión. El dibujo, limpio y claro, se basa en el perfilamiento de unas formas rotundas y voluminosas. Firmado dentro de la placa en el a.i.i., del revés y de derecha la izquierda "M Colmeiro". Fuera de la plancha aparece el número de serie en el a.i.i: 55/100, y la firma en el a.i.d. "Colmeiro". Perteneciente a la misma serie, existe un ejemplar en la Colección Caixanova.

La figura de Nolo Suárez supone una renovación a la temática del paisaje gallego, principalmente de los elementos tierra y agua como origen de la vida, a partir de la década de los 80 a través de su técnica peculiar que le confiere a la obra un aspecto acuoso configurando el resultado final a través de la acción del propio proceso pictórico. Ante un fondo en el que predominan las tonalidades pasteles (azules y amarillas), el autor lo salpica con distintos elementos: un árbol grande y tres más pequeñas colocados en línea, una hoja y un arbusto. Todo unido por manchas de colores blancos en espiral y ondulantes, o verdes que siguen una línea curva que se convierten en signos de identidad del autor.

Junto a la estética primitivista de eco románico de Xoán Pardiñas, la otra vertiente de su obra es la informalista. En este caso, aunque la figuración no desapareció totalmente, pues vemos un rostro de fondo, ésta pierde protagonismo en favor de la abstracción. Aquí la influencia del action painting norteamericano, principalmente de la obra de Pollock, parece evidente al crear una pintura de manchas en la que superpone distintos colores, predominando el blanco, el negro y en menor medida el rojo, dispuestos al albur, creando esa especie de maraña de la que habla el título de la obra.

Presentada por primera vez en la XXIII Bienal de Arte de Pontevedra, la serie "Marañas" de Antonio Murado a la que pertenece esta obra, supone la continuidad con el carácter serial de su obra y su gusto por los grandes formatos que caracterizan su producción. La obra se caracteriza por el empleo de un fondo monocromático -en este caso naranja- sobre el que superpone una serie de líneas enmarañadas, que se mueven y retuercen sobre la superficie adquiriendo el aspecto de un arabesco; es lo que el propio autor llamó "escritura neuronal". Influenciado por el "Action Painting", Murado rompe con la centralidad del cuadro, dotándolo de la misma importancia que cualquier punto de la superficie pictórica, sobre la que se cruzan las "Marañas", siguiendo el concepto desarrollado por la pintura de acción norteamericana de " All-Over". Inscripción en el reverso: "ANTONIO MURADO/Líos/120 x 120 cm./ÓLEO/ LIENZO/Madrid 95"

Trabaja aquí Mª Antonia Dans el paisaje marino, tan frecuente en su obra. Bajo una aparente simplicidad de la obra, la autora ordena todos los elementos, en un primero término el mar, seguido de una batea. Detrás, en el centro de la composición, un barco ligeramente desplazado a la derecha. Se decanta aquí por una paleta cromática más oscura basada en tonalidades ocres y grises. Juega con los recursos lumínicos y con los reflejos en el agua del mar. Firmado en el a.i.d. "m.a. dans"

Marina al óleo,  Firmado en el a.i.d. Comprado a la galería Citania en 1981.

Paisaje marino de la costa. El protagonista es sin duda la luz, con sus distintos reflejos y matices, en el cielo, en el agua o en las rocas contra las que rompen las olas y en las que el sol parece pegar con fuerza, contrastando con la sombra en tonos azules y violetas del primer término. Garabal se vale de los recursos de la propia técnica para lograr una representación verídica del rompiente de olas, cargando más la materia.

Realizado en su etapa de madurez, Garabal presenta aquí un paisaje marino, con un mar picado que bate contra las rocas, concebidas como volúmenes redondeados, que reflejan el gesto de la pincelada. Destacan especialmente los reflejos lumínicos y los efectos cromáticos que producen sobre las distintas superficies. Lejos de un paisaje idealizado, Garabal refleja la soledad y la dureza de la Costa da Morte. Firmado en el a.i.d. : "M. Garabal/1948".

De la etapa de madurez de Garabal es este paisaje costero, de acantilado, en el que muestra la fuerza del mar picado batiendo contra las rocas. Característica del autor es el mostrar un paisaje que, lejos de la idealización, refleja la crudeza y dureza de la Costa da Morte. Con un dominio absoluto de la técnica, Garabal se preocupa por los efectos matéricos y pictóricos, tanto en el mar, donde juega con los azules y blancos para reflejar a la fuerza del mar, como en las rocas donde juega con una mayor diversidad cromática: verdes, marrones, rojos y malvas.

Obra figurativa que muestra una pareja, una de espaldas y otra de perfil. La pintura de Maside es enérgica, impulsiva, de trazos fuertemente coloristas de influencia fauvista; junto a ella, los ecos del expresionismo histórico y la geometría del cubismo visible en las formas de las figuras. Por la variedad y fuerza cromática empleada, claramente expresionista, se puede inscribir esta obra aproximadamente en la década de los 80. Firmado en el a.i.d.

Con una esencial y poética síntesis formal y dentro de esa línea figurativa de carácter organicista en la que acostumbra expresarse, representa a una mujer embarazada. Con la madera, uno de sus materiales preferidos, junto con el granito, consigue destacadas cualidades formales. Suaves curvas y medidas aristas o pliegues; la madera pulida y con un perfecto acabado, viéndose las vetas: importante efecto al incidir la luz.

Una de las muchas representación que realizó Virxilio sobre la mujer. Firmado en el a.i.i. "vfc." Inscripción en el reverso: "Maternidad" Virxilio Fernández / O Cumial

El tema de la maternidad es habitual en la producción de Vidal Abascal (1908-1994). En este caso, el grupo se componen de la madre que, situada de perfil, abraza a su hijo. La estética primitivista y expresionista característica del arte gallego del primer tercio del siglo XX que los pintores tomaban de la escultura románica, la retoma aquí el artista al mostrarnos una figura de rotundos volúmenes, estática y sólida, pareciendo la pesadez del granito, vinculable a la estética que Faílde realiza en la escultura. El dibujo juega un papel importante al perfilar tímidamente las figuras contra el fondo. La influencia expresionista está presente en el tratamiento que le confiere al rostro de la mujer o en la técnica, una pintura empastada y de colores fuertes y alegres, que se convertirán en una señal de identidad del autor. Firmado a. s. i. "Vidal Abascal"

El tema de la maternidad fue tratado en distintas ocasiones por Laxeiro. Compone la escena con dos figuras que se inscriben en un esquema piramidal: la madre que sostiene en su regazo al niño. Se entronca la obra dentro de la tendencia primitivista y " románica" del autor, de ahí el volumen de las figuras en las que logra crear un efecto casi escultórico. Los colores son oscuros, marrones y negros que, contrapuestos a zonas más claras, aumenta ese carácter o volumétrico. En la técnica mezcla el dibujo, que le sirve para delimitar el entorno de las figuras, y los rasgos generales de las mismas, y la acuarela aplicada con una pincelada amplia. Firmado a. s.d."LAXEIRO/70/VIGO" Comprado a la Galería Citania en 1980.

El tema de la mujer, especialmente la maternidad, ocupa un lugar privilegiado en la producción laxeiriana, relacionado con el matriarcado y la fecundidad, ligado a la antropología gallega. Laxeiro crea una nueva imagen en su modelo de maternidad y, así, presenta la dos figuras -la madre y el hijo- envolventes y pesadas; la madre, estática, de cara y con la mirada ausente, sujeta con las manos a su hijo en el regazo. Ambas figuras se inscriben en un esquema piramidal; son imágenes estáticas y hieráticas, lo que se vincula con la estética del granito, la solidez de la escultura románica en la que Laxeiro encontró en el Maestro Mateo uno de los principales referentes para la conformación de su particular mundo, en el que también tienen cabida Goya y Picasso. Técnicamente, Laxeiro recorta las figuras contra un fondo neutro, de tonalidades azules, grises y un toque de naranjas. Define el perfil de las siluetas de las figuras, el cabello y las facciones del rostro con un trazo negro, muestra de su buen quehacer en la técnica del dibujo. Firmado en el a.s.i. Comprada a la Galería Citania en 1980.

Obra figurativa de corte primitivista en la que Xoán Pardiñas representa la figura de un hombre en el momento en el que parece estar levantando algo. La suya es una pintura cargada de materia, de gruesas pinceladas e intenso cromatismo que le sirve, como en este caso, para ordenar el fondo de la composición en tres campos horizontales. Sobre este fondo, emerge la figura de volumen exagerado, en la que el autor consigue reflejar el estado de inquietud del hombre. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Frente a la complejidad de los espacios compositivos empleados por Quessada a lo largo de su producción pictórica, aquí se decanta por uno de gran sencillez: el interior de una habitación de la que tan sólo vemos la silla sobre la que está sentada la chica; esta, a pesar de que el rostro está apenas pergeñado, parece ausente. Destaca tanto el cromatismo -en el que predominan los verdes, azules y malvas que componen el fondo de la estancia y aportan gran luminosidad al cuadro-, y la técnica, directamente relacionada con el uso que hace de los colores que logran dar la sensación de textura y creando un ambiente íntimo y la sensación de una atmósfera etérea, logrando de este modo crear un efecto de atemporalidad. El efecto de ambiente intimista obtenido con la gama cromática en tonos pasteles es una influencia de la etapa rosa de Picasso. Comprada a la galería Citania en 1981.

Representación de un paisaje marinero, tema por lo que Lugris Vadillo siente una especial debilidad. En esta escena encontramos, a nuestra derecha, un barco y a la izquierda los edificios del muelle. ES esta un paisaje sin referencias concretas a los elementos naturales que conforman una escenografía misteriosa, en la que los tonos cálidos crean una atmósfera efectista, teatral e irreal. Este paisaje imposible, se representa con un minucioso realismo, de grafismo preciso. Firmado a. i. d.

Figura de busto de una mujer que Laxeiro retrata desnuda. Centra la atención en la mirada de la joven, ausente, transmitiendo una gran carga psicológica y una sensación de tristeza. Con un dibujo fuerte que el pintor entiende como algo fundamental de su trabajo, define el contorno tanto del cuerpo como del cabello, con un trazo negro que contrasta con las tonalidades rosáceas que emplea en el busto de la figura, logrando crear una textura de terciopelo. La pintura está cargada de materia lo que da la sensación de texturas. Comprado a la Galería Citania en 1981. Pegatina en el reverso con los siguientes datos: "nº 209, Propiedad Galería Citania Santiago, óleo, muchacha, 50x70.

Sobre una discreta base cuadrangular de granito, se yergue la estilizada figura femenina, inspirada en la estatuaria clásica y concebida en un juego entre masa, en el perfil frontal, y hueco, a espaldas; encajándose en ella el macizo cántaro de granito que sostiene con su brazo izquierdo. Firma y fecha grabadas en el lateral izquierdo: "BUCIÑOS 89".

Realizada en los años finales de su producción, esta obra de Luis Seoane supone un claro ejemplo del tratamiento de síntesis hacia lo que evolucionó su pintura. En esta obra, la figura femenina es la protagonista -figura que se convierte en el icono de su producción-, una mujer anónima, del pueblo, que lleva un cesto en cabeza en clara alusión a la campesina gallega, emblema de su obra. Vemos la evolución frente a otras obras anteriores: si en un principio la línea y el color iban juntas, ahora el color adquiere autonomía propia y un gran protagonismo que provoca casi la desaparición de la línea. El trazo negro tan sólo indica sencillamente el perfil del rostro y del pecho, mientras que otra serie de incisiones se superponen sobre el fondo cromático, lo que evidencia la interrelación entre pintura y grabado en la obra de Seoane. En lo relativo al color, éste responde a su preferencia por las tintas planas, de colores fuertes. Fue donado por su viuda, Dª Elvira Fernández López, en 1992.

Obra típica del estilo de Virxilio protagonizada por una campesina, que el autor convierte en una especie de homenaje al folclore popular gallego. La viste con una túnica larga y paño a la cabeza, porta una cesta en la cabeza que sostiene con la mano, y parece representarla en un momento en que hace un descanso en el trabajo. Llama la atención el repertorio decorativo del atuendo, en el que Virxilio se sirve de su relieve característico, logrado a base de empastar la pintura, para acentuarlo. De nuevo, el gusto por el autor de colores fuertes, exaltados a base de naranjas y azules y los trazos gruesos con los que separa los distintos elementos de los cuadros. Firmado en el ángulo inferior izquierdo.

Representa una figura femenina que lleva unas flores en su mano izquierda; al fondo, distintos edificios. Utiliza una gama amplia de colores. Geometrismo. Firmado en el ángulo inferior derecho: "Gustavo Balboa 75"

Retrato de una mujer campesina en un prado. Parece relajada, ausente, da la sensación que dejó de trabajar en el momento en que está posando para el pintor, pues tiene en la mano la hoz con la que estaba segando. Virxilio siempre representa estas mujeres con falda larga de gran decorativismo, con paño en la cabeza, y las líneas de puntos y otros motivos en realce, que se vinculan con técnicas artesanales, como el bordado. Los colores son fuertes y las formas muy marcadas, destacando así el dibujo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo.

Escena de interior protagonizada por una mujer, que el autor representa en el momento de la lectura, sentada en un banco y apoyándose sobre una mesa en la que se ven varios papeles. Se repite nuevamente el gusto por captar a la mujeres ensimismadas, casi ausentes. Técnicamente, Virxilio emplea la pluma sobre un fondo de papel amarillo; su virtuosismo del dibujo d le sirve para lograr la sensación de profundidad y crear las sombras.

Retrato de una mujer oriental de gran tamaño en blanco y negro. El retrato, muy efectista, recuerda a unha fotografía.

Bajo una estética de corte primitivista, Xoán Pardiñas presenta a un grupo de tres mujeres abrazadas. Están concebidas de una manera uniforme, como si fuera una masa homogénea, redondeadas, algo que al autor le sirve para reflejar la capacidad expresiva. Bajo ese perfil redondeado, las figuras están compuestas a base de formas geométricas, descomponiéndolas en distintos planos, lo que se vincula a una estética cubista, delimitadas de un firme trazo negro. La gama cromática es reducida, basada en tonos verdosos y tostados y la pintura es grumosa, empastada. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Xoán Pardiñas presenta en esta obra un grupo de tres mujeres que aparecen acostadas. La estética del cuadro se enmarca dentro del gusto por el primitivismo de la primera etapa del autor. Las figuras son toscas, ampulosas y exageradas por el volumen que evidencia la preferencia por la masa con la que Pardiñas encuentra una capacidad expresiva. Figuración de corte primitivista en la que el autor emplea un fuerte y grueso trazo negro que le permite delimitarlas. En lo relativo a la técnica, se decanta por una textura grumosa y empastada que supone una influencia de los grandes renovadores del arte gallego: Colmeiro, Maside, Seoane o Laxeiro. En relación con la gama cromática que emplea, ésta es reducida a base de tierras y grises, que se vinculan con una estética del románico, en el que el autor encuentra las raíces gallegas.

Obra de temática popular; estamos ante una escena de mercado protagonizada por dos mujeres en primer plano, ataviadas con el tradicional paño en la cabeza. Al fondo aparecen las siluetas de otro grupo de personas que completan la escena. Las figuras casi están reducidas a las formas elementales, pues el rostro apenas está dibujado. El autor las delimita con el dibujo, de trazo más amplio y grueso; de todas formas, la pincelada es amplia, suelta y diluida y la paleta cromática está basada en tonalidades ocres, verdes y tostados.

La obra responde a las características de la producción de Morquecho de finales de la década de los 70 del siglo XX. En ese momento a obra figurativa cobra un mayor protagonismo en detrimento del paisaje. Entiende las figuras como un grupo homogéneo, casi una masa, no le interesa su individualización, de ahí que el rostro esté apenas pergeñado y lo componga por medio de vigorosos trazos negros, creando con eso una sensación de tristeza. Éstas aparecen ante un muro, un fondo blanco donde se abren huecos negros, sobre los que se superpone los colores ocres y verdosos predominantes en el atuendo de las figuras. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Concebido como un gran mural, Tomé divide el lienzo en cuatro partes, a modo de una especie de ventanas de las que emergen grupos de figuras que, siguiendo la estética característica del autor, se presentan difusas, apenas les vemos el rostro; el expresivo trazo negro es prácticamente el único elemento del que se sirve Tomé para individualizar las formas que, próximas a la abstracción, se enmarcan dentro del expresionismo que lo caracteriza.

El autor muestra su devoción por los fondos matéricos, por las superficies cambiantes, exageradamente rugosas. Podemos ver una silla sobre una enorme superficie de color tierra recurriendo nuevamente al símbolo para denunciar la progresiva desertización de la Península Ibérica. Un inmenso espacio vacío dominado por una estructura granulada de color caracteriza esta composición que se aproxima a la abstracción. Patiño patentiza que en su obra todo es importante, todo es significativo, desde la composición y el dibujo hasta el color, posiblemente más irracional y mágico de la pintura. Firmado en el ángulo inferior izquierdo: "A. PATIÑO".

Compuesto de seis piezas, Acisclo realiza este mural de barro refractario; de su fondo emergen los rostros de unas figuras, en los que busca la expresividad de los mismos, pareciendo recordar la tragedia del arte griego; rostros que emergen de la materia, al estilo miguelangelesco. En el resto del conjunto están presentes las huellas del trabajo con la materia: surcos, incisiones y ondulaciones que crean distintas texturas -rasgo primordial en su producción-; se trata de una obra en la que Acisclo juega con la dualidad entre la figuración y la abstracción organicista.

El autor de esta obra, Ángel Atienza Landeta, formado inicialmente en la Escuela de Artes y Oficios de Santiago, realiza este mural tras llevar más de diez años experimentado en el arte de la cerámica y del vidrio, después de dejar atrás su carrera como futbolista profesional. Le interesan las grandes dimensiones para sus trabajos concebidos, igualmente, para espacios de dimensiones importantes. En concreto esta obra, hecha para la Facultad de CC. Económicas y Empresariales, es coetánea de aquellos murales, también cerámicos, que desarrolla para diversas estaciones del metro de Madrid.

Una muy personal fabulación del autor, en la que un grupo de títeres, con caballo -sobre el que monta uno de ellos- y vaca incluidos, avanza agitaa y caóticamente. Cronológicamente incluida en el período argentino, está protagonizada por esos ser guiñolescos característicos de buena parte de la producción laxeiriana, haciendo con ellos en este caso una particular relectura de la figuración picassiana. Firmado en el ángulo superior izquierdo con la siguiente inscripción: "BS-1 S 1952". En el reverso lleva una etiqueta "nº 208/ propiedad Galeria Citania Santiago, 122 70 óleo, nace un árbol" Comprado por la USC a la Galería Citania en 1981.

Pieza que hace referencia a la naturaleza, a las formas animales -nido de pájaros-. Partiendo de un mismo tronco común entrelaza las formas, en un juego de huecos y curvas, que se van abriendo en siluetas diferentes, independientes pero inseparables, con la sugerencia de un cierto movimiento helicoidal. La ejecución de la pieza se realiza por modelado con un proceso de fundición con pátina y pulido. La obra fue adquirida en 1978.

Ninguna felicidad es tan brillante como el mar refleja la vitalidad del mar frente a la muerte como tema persistente en la obra de Kappeler. La costa le devuelve al artista el impetú de vivir en sintonía con su entorno. Tras su llegada a Muxía, el pintor alemán salpica su pensamiento existencialista con la temática marítima. Esta obra sobre paisajes emocionales abstractos juega con las texturas de la propia pincelada con las que el artista remarca el carácter intangible que define su arte. En la Costa da Morte dará comienzo una nueva etapa en su trayectoria vital y artística, contrastando la fugacidad de la vida frente a la fortaleza y la infinidad del mar.

A su trabajo siendo muy joven en la imprenta de la Diputación Provincial, Pacios le debe el conocimiento de las distintas técnicas de impresión que emplearía en un futuro en su obra gráfica. En este grabado, el autor retrata a cuatro personajes labradores, dos hombres y dos mujeres -tema costumbrista que será lo predominante en toda su producción, tanto en la pintura como en el grabado-, bajo un estilo expresionista, con una fuerza brutal como queriendo señalar el esfuerzo de este trabajo, junto con un violento contraste de claroscuros.

Hecha en tres piezas

Representa una orquesta de cámara, compuesta por tres músicos, en pleno concierto. Las figuras de los tres músicos llenan todo el primer término, casi encajados en el espacio que los rodea, caracterizado por las dislocadas perspectivas -el piano, la mesa- y la sensación ambiental compacta. En esa somera descripción del interior, el artista destaca, en el mismo plano que la figuración, un vaso con flores -calas- encima de una mesa, siendo este uno de los motivos más recurridos en la producción de Barreiro, precisamente junto al tema de los músicos. Es una buena muestra del expresivo y exultante lenguaje plástico del autor, con un colorido vibrante, aplicado en trazos gruesos e incluso a manchas, con una pincelada suelta y gestual que se combina con el vigoroso dibujo que en trazo negro perfila las formas. Firmado en el a.i.i. : "Barreiro 89". En el reverso aparece escrito por el autor: "Orquesta de cámara/Barreiro/Vigo/30- Mayo--89" En el reverso, una ficha de la "I Muestra Unión Fenosa" con los siguientes datos: Autor: José Barreiro Gómez, los datos personales, el título, técnica y la valoración del seguro (950.000 pesetas)

Virxilio toma frecuentemente como motivo pictórico los paisajes que él conoce, de su entorno más inmediato. Compone la obra rigurosamente ordenada, casi geométricamente, contraponiendo la horizontalidad marcada en el primer término por los troncos de los árboles, con la horizontalidad de los distintos campos de la composición establecidos por el campo, los arbustos y el cielo. En la paleta cromática, predominan en este caso los ocres y verdes, jugando con distintas tonalidades. Firmado en el ángulo inferior derecho. Inscripción en el reverso: "Virxilio, Mayo 1967"

En esta obra, Pardiñas construye un paisaje de montañas; estas son de formas redondeadas, homogéneas y aparecen superpuestas unas enzima de las otras, contrastando esta forma con la línea recta del horizonte que divide el cuadro. Bajo este perfil redondeado, cada una de ellas está en su interior articulada con formas geométricas. Pardiñas emplea aquí una pintura rugosa, empastasda. Firmado en el ángulo inferior derecho. La firma aparece grabada en el ángulo inferior derecho.

El paisaje de las tierras ourensanas de A Rábeda se convirtieron en fuente inagotable de inspiración en la obra de Virxilio, que denota un sentimiento lírico del mismo. Le interesa representar la naturaleza de una manera ordenada, que consigue jugando con las distintas tonalidades que marcan los distintos elementos del terreno, intercalando zonas de campo con otras de arbustos -que también aparecen en las márgenes- y en el fondo, un grupo de casas y un paisaje de montaña de suaves perfiles redondeados que ocultan parcialmente la luz del sol. Bajo la aparente ordenación de este paisaje, se contraponen la libertad de la pincelada que emplea, jugando con partes más acabadas y otras con una factura más suelta. En la paleta cromática, se decanta por los verdes y ocres. Firmado en el a.i.d.

El paisaje fue uno de los géneros más cultivados por Pousa. La panorámica del río viene determinada por la peculiaridad atmosférica de la niebla, que matiza las suaves entonaciones de una gama cromática baja por medio de una luz blanquecina y fría, al tiempo que difumina toda la vista. El paisaje se convierte en un conjunto de sensaciones. Firmado a. i. d. Comprado a la galería Citania en 1981.

Paisaje de formas geométricas, construido por bandas de formas sugerentes, que se convierte en abstracta. Lodeiro camina hacia la abstracción mediante un orden rígido de imágenes al tiempo que mantiene la línea de la interpretación tradicional de un contenido legendario: el paisaje es un paisaje plano y siluetado, capta la profundidad y el espacio, invitando al espectador a ver con otros ojos, detectando sensaciones a través de la luz y del color, apreciamos una armoniosa gama de verdes, morados, azules y anaranjados. Firmado en el ángulo inferior izquierdo.

Dibujo a pluma de un paisaje en el que el protagonista son los árboles, que conforman una especie de pinar. Éstos aparecen ordenadas casi geométricamente, desde el primer término hasta el fondo. El dibujo es minucioso, evidente en el detallismo con el que realiza las hojas de las hierbas que salpican el resto del espacio.

Lodeiro concibe el paisaje de una manera muy particular y personal, imprimiéndole un sello característico. Parte de un elemento reconocible: las montañas, pero lo que hace es sintetizarlo, hasta reducirlo a formas geométricas que tienden a la abstracción. El protagonista del paisaje es el tratamiento que otorga a la luz, en este caso clara, dando la impresión de un amanecer y el color: configura el paisaje con bandas de color, graduaciones cromáticas en la gama de los rojos. Firmado en el a.i.d: "LODEIRO/70. Inscripción en el reverso: "LODEIRO-70/ PAISAJE"

Junto con la figuración, el paisaje es el otro género habitual en Morquecho; con este género se inicia en la pintura y responde a la admiración que siempre sintió por el impresionismo francés. En este caso, nos muestra un paisaje de un bosque presidido por una serie de rocas que ocupan la mayor parte de la superficie de la tabla y, al fondo, las ramas de los árboles -muy empleados por el pintor en la segunda mitad de los 80-. Con respecto a los colores, predominan, junto con el amarillo, los verdes y azules, que son para Morquecho la referencia al paisaje gallego presentes ya desde los inicios de su carrera. Firmado en el ángulo inferior izquierdo.

Como buen dibujante que es, además del interés que mostró a lo largo de su carrera artística por la figuración, también le apasionó desde los inicios la representación de los espacios abiertos y de la naturaleza. No obstante, no fue hasta 1985 cuando comenzó a pintar, con una característica pincelada suelta y rápida, sus singulares paisajes con arboladas en tonos amarillos influenciados por el post-impresionismo y, en menor medida, por el fauvismo.

Se trata de un paisaje en el que lo más destacable es la reducción geométrica de las formas y la composición sencilla y clara. El efecto de profundidad se obtiene principalmente por el contraste cromático entre el primer plano oscuro y los otros, más luminosos. La sensación se acentúa por la situación de la línea de horizonte baja, que provoca una rápida fuga hasta el último término.

Este dibujo muestra la presencia de cuatro mujeres en el primer término de apariencia ciertamente fantasmagórica. El paisaje es igualmente tétrico, como un paraje desértico concebido en expresivas ondulaciones. Expresionismo crítico, crudo y denunciador, potenciado por la gama cromática reducida al blanco y negro, emparentándose con las pinturas negras de Goya. Firmado a. i. d "A 68 Pérez Bellas". También conocido como “Viudas".

Dibujo a pluma de un paisaje en el que el protagonista son los árboles, que conforman una especie de pinar. Éstos aparecen ordenados casi geométricamente, desde el primer término hasta el fondo. El dibujo es minucioso y detallista que demuestra la maestría del autor, visible sobre todo en los arbustos que entremezclados con los árboles ocupan el resto de la superficie pictórica. Firmado en el ángulo inferior izquierdo.

Paisaje campestre en el que la artista se aproxima de manera dulce, deuda de su influencia naïf. Compone el cuadro a base de líneas horizontales; en primer término una franja de vegetación, sucesiva de otra que es un camino. Centra la composición una escena campesina en la que vemos el labrador regresando a su casa tras recoger la hierba seca que transporta en un carro. Tanto la perspectiva como el color amarillo conducen a este elemento central; en último término el cielo plúmbeo. Se decanta por emplear una paleta cromática suave a base de colores verdes y ocres. Firmado a. i. i.

Esta obra pertenece a la serie que este pintor llevó, entre 1980 y 1983, a las exposiciones de Atlántica el grupo artístico que revitalizó, por aquellos años, la plástica gallega. Estamos, de todas formas, ante una pintura creada en la década de los setenta, una etapa donde experimentó con una nueva fórmula plástica, fundamentada en la esquemática organización de diferentes planos yuxtapuestos en tonos muy cálidos. El artista se decantó por representar ambientes imaginados y delicados a través de un juego visual que consiguió gracias a la disposición de las líneas y los volúmenes geométricos.

El mundo del mar está muy presente a lo largo de la obra de Mª Antonia Dans; en este caso se muestra un paisaje en el que representa en primer término un campo, en medio del cual se abre un camino que conduce a un paseo fluvial. Al fondo aparece un río, navegado por tres barcos. Dans se aproxima al paisaje con un cierto aire "naïf", ingenuo, en el que los colores son vivos, alegres, destacando verdes y amarillos. Firmado y datado a. i. d. "dans 76"

Representa a una mujer de medio cuerpo amasando el pan, siendo ésta tarea uno de los temas recurrentes en la producción del autor. Concebida con un halo primitivista, por su estatismo y por la rotundidad de las formas que confiere a la labor doméstica unas connotaciones místicas o legendarias. Rotundidad de las formas, que consigue a través de un dibujo tan firme como elemental. Firmado en el a.i.d. Comprado a la Galería Citania en 1981

Esta escultura de Silverio Rivas, realizada por 1991, sustituye a otra, del mismo autor, que, como ésta, estaba ubicada, hacia un lado, ante la puerta principal de la Facultad de Ciencias Económicas y Empresariales de la USC ¿Qué quiso hacer Silverio al proponer y llevar a cabo este cambio? En principio la obra actual podríamos decir que interpreta la misma temática que la anterior: mostrarnos una pareja, dos figuras en pie, enfrentadas o juntas, una al lado de la otra, supuestamente un hombre y una mujer.

Estamos delante de una obra figurativa de Víctor Casas, en la que representa a una pareja en la que sitúa al hombre de espaldas al espectador y a la mujer enfrente de él. Es destacable la técnica que emplea; se trata de una obra en la que las figuras, de perfil ondulante, apenas están insinuadas, difuminándose contra un fondo neutro. Juega también con las graduaciones cromáticas, en este caso a base de tierras, en las que emplea el difuminado. Firmado a. i. d. "Casas"

Junto con la temática paisajística que domina gran parte de la producción de Pousa, aparecen otros temas de gusto popular. En este caso, los protagonistas son dos figuras: un payaso y una mujer. Pousa juega con el contraste entre el dibujo de trazo negro y grueso con el que perfila las figuras, y los colores fuertes con las que cubre el fondo y parte del atuendo de esas figuras; contraste también en las expresiones de los rostros de los personajes, el payaso parece como asustado mientras que la mujer aparece como airada, lo cual aparece subrayado con el gesto que realiza con la mano. Firmado en el ángulo inferior izquierdo.

En la década de los 70 se produce el contacto profesional entre Luis Seoane y Mª Elena Montero. Por esos años el artista gallego realiza una serie de tarjetas para la Galería El Sol de Buenos Aires; a su vuelta encargará a Mª Elena Montero que los ejecute a partir de las tarjetas, siguiendo un método cifrado en el que cada número equivalía a un color, a una lana previamente seleccionada, de ahí que el tapiz conserve las composiciones características de Seoane de colores vivos y planos. Aquí se representa una escena de un conocido episodio de la historia de Galicia, encuadrado dentro de las luchas nobiliarias del siglo XV, en el que Pedro Madruga, a caballo y con armadura, lleva preso a Diego de Muros, obispo de Tui, que es trasladado en un carro tirado por vacas. El tapiz fue realizado por Mª Elena Montero de un diseño de Luis Seoane. Firmado en el a.i.i. : "Seoane" y en el a.i.d. : E.M. En el reverso tiene cosida una tarjeta de tela donde aparecen los siguientes datos: Autor: Luis Seoane Título: "Pedro Madruga y el obispo de Tui" Dimensiones: 2 x 1,20 cm. Nº 6 Tejido por Mª Elena Montero; taller: Pza. España, nº 7, 5º, Sada, A Coruña. Fecha: 1979 y la firma de autenticidad de Mª Elena Montero

Dentro de la amplia producción de Xaime Quessada, en la década de los 60 elabora una serie de obras agrupadas genéricamente bajo el título de "Serie Negra" dentro de la cual se incluye esta "Piedad". Siguiendo el influjo de sus maestros Goya y Picasso, Quessada utiliza el arte como instrumento de denuncia de una época de gran conflictividad sociopolítica: repulsa contra la guerra, el fascismo o el holocausto. En esta pintura política, el recuerdo del "Guernica" es evidente; tanto el grito de dolor y miedo de la protagonista como la técnica, caracterizada por un dibujo muy geométrico que construye la figura a base de sólidos perfiles y con distintos planos geométricos, son deudas picassianas. La escena transcurre en un espacio interior, desolado y nocturno que acentúa la tragedia, claroscuro que debe de su aprendizaje de los maestros Rembrandt, Goya y Picasso. Serie Negra es, por tanto, consecuencia del compromiso artístico de Quessada, reflejo de las experiencias vividas por el artista y del contexto de la época en la que fueron realizadas. Firmado a. i. d. "Quessada" En el reverso: "49 depós..."

Escena de género en la que el autor sitúa a un grupo de figuras, jóvenes, sentadas en las escaleras ubicadas delante de la fachada de Platerías de la catedral compostelana. Este es un cuadro de ambiente popular en el que da la impresión de que hay una cierta comunión estética entre lo que es la románica portada catedralicia y ese sedente grupo de mujeres. Las figuras fueron concebidas de forma elemental pero rigurosa. Del cromatismo destacamos el dorado característico del pintor. Con respecto a la técnica, el cuadro está trabajado con pinceles y con espátula, resultando una obra muy texturada en las figuras y en los elementos arquitectónicos; trazo libre, de tipo expresionista. Inscripción en el reverso (en la parte superior del bastidor y en el travesaño) "Pórtico" Firmado en el a.i.d."Vidal Abascal".

La obra refleja el compromiso político-social del autor, tanto a través de la temática, como de sus propuestas estéticas. En ella vemos a un joven, asentado sobre una masa informe tirando una piedra contra un fondo de formas geométricas. El tema contrasta con el tratamiento de ecos renacentistas que estilísticamente se le da al cuadro (perfección del dibujo, espacio en perspectiva con marcado punto de fuga). Simboliza la lucha contra el totalitarismo, encarnado por ese fondo rígidamente geométrico. El joven corre hacia un fondo rojo que puede entenderse como una especie de puerta a la esperanza.

La temática propiamente gallega es una de las constantes a lo largo de la trayectoria de Sucasas; gentes y escenas de género tradicional que en este caso es una escena que transcurre en una feria: un puesto de pulpo en el que aparece una pareja y al fondo un niño. Personajes perfectamente individualizados de expresivos rostros en los que se ve un eco de la influencia del cubismo por el carácter geométrico con los que los compone que contrasta con la rotundidad de los cuerpos de líneas redondeadas. Gran conocedor de la técnica del dibujo, Sucasas utiliza los recursos que le ofrece y así consigue crear zonas más oscuras y otras más difuminadas. Comprado a la galería Citania en 1981. Firmado en el a.i.i.

Se hay algo que define la amplísima producción de Quessada es su carácter multiforme. Trabajó todas las técnicas y estilos; en este caso estamos ante una obra abstracta en la que el protagonista es el punto negro que da título a la obra. El artista ourensano realizó distintas versiones de cuadros en los que los protagonistas son ese punto. Por lo demás, Quessada juega con la descomposición geométrica de diversas formas triangulares, llevando la atención al centro donde se cruzan y aparecen otra serie de objetos y formas rectangulares y cubos. Juega con el contraste de los colores rojos y negros.

Dentro de la producción escultórica de Buciños destaca la obra figurativa, en la que deja ver su sello personal caracterizado por la calidad que le da al bronce, con una pátina que le confiere ese aspecto verdoso. Buciños trabaja él mismo el material, lo funde mediante el modelado en ceras y anula el molde en escayola, que le sirve para conseguir una textura peculiar rugosa y con granulados, incorporando además el vacío a su obra. Está presente también el gusto por las formas curvas; Buciños moldea un cuerpo con suaves ondulaciones en las que los ropajes se pegan recordando la técnica griega de los paños mojados. Juega también con el contraste entre materiales, el contraste entre la ligereza del bronce de la figura con las cavidades características y la solidez del granito en la base sobre la que se apoya el hombre.

En esta gran pintura mural, Tomé desarrolla un friso de figuras anónimas, apenas pergeñadas. Bajo un lenguaje neoexpresionista, tan característico no sólo en las obras del autor, sino también propia del arte de la década de los 80, es la que a Tomé le sirve para crear una obra en la que impera una sensación de inquietud y angustia. Apenas hay concesión a la anécdota; los protagonistas únicamente son las figuras -de rotundos volúmenes perfilados de trazos negros- y el color, la pincelada enérgica y expresiva que emplea.

Antes de realizar este mural, la obra de Tomé discurrió desde una neofiguración expresionista (1971-1979), al preciosismo y, a partir de aquí, hasta lo que se denominó una “abstracción redonda” (1979-1992). Es aquí, por 1987, donde cabe encuadrar ese mural, pintado sobre lienzo, dispuesto ante la entrada del aula B de la Facultad de Económicas y Empresariales de la USC. El pintor parece reflejar en sus formas, evocadoras de lo humano y apretadas en el espacio, una reflexión plástica sobre lo que es el sufrimiento humano; en una posición ideológica que en la pintura tiene páginas brillantes en el Goya de la Quinta del Sordo y, por supuesto, en el Picasso creador del Guernica. También aquí, en la obra de Tomé, parece palparse el dolor y la derrota que abate al género.

Maestro del paisaje gallego, recibió con este cuadro la Medalla de Oro en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1922. Se trata de una obra en tonos azulados y verdosos, muy diáfanos en los que el autor reincide de nuevo en la necesidad de adaptación y transformación del luminismo mediterráneo de tipo sorollesco al atlantismo gallego. La técnica pergeñada, de largas pinceladas, posee un toque casi "fauve" en el empleo del color, especialmente en esos azules rutilantes que le son caracteristícos. Firmado en el ángulo inferior derecho:" F. Llorens"

Obra de Arturo Souto conocida por los títulos de "Roma" o también "Figura en el estanque". Fue comprada por la USC a la galeria Citania en1981. Firmada en el ángulo inferior derecho: "Souto".

En este grabado, Laxeiro muestra sus capacidades para el dibujo; con él compone la obra en la que sitúa el rostro de una mujer cortado a la altura del busto sobre un fondo neutro, rayado, que le sirve para dar una sensación de espacio. La línea configura la composición no solo en el fondo sino también para la representación de las facciones del rostro, en el que consigue transmitir la sensación de tranquilidad y serenidad. Firmado y datado a. i. d. Grabado en la placa (vemos la firma del revés) "Laxeiro 1984"

Sobre un soporte hecho a base de periódicos extranjeros, el autor crea una obra trabajada a base de pintura blanca y carbón en la que se representa una plantación de los sarmientos de las vides. Firmado en el a.i.i.

Obra concebida como un trompe-l'oeil o juego visual de tridimensionalidad y bidimensionalidad. Quintana Martelo reactualiza el concepto de bodegón introduciendo en la obra objetos -en este caso cuatro piezas rectangulares inscribiendo en una de ellas un retrato masculino- que dan tridimensionalidad a la misma y que se superponen ante un lienzo en tonalidades blancas en las que pueden verse las huellas de la pincelada. Firmado en el a.i.d. "QM". En el reverso: una inscripción a carbón: "Quintana Martelo/ scracht III-1989/ oleo/tela", una tarjeta grapada escrita a máquina: "04 scracht III/oleo-lienzo/116x189/1989 y l cuño de la Galería Trinta (Santiago de Compostela).

Líneas sinuosas ordenadas a modo de huella digital aumentada en el microscopio o recreando el veteado de la madera, que quedan cortadas por el límite del cuadro. Pertenece a la serie "Hixiénicos. En esta serie transcribe el veteado de la sección de la madera como huella de la memoria. Otra pieza de la misma serie, con el nº 11 se conserva en la Colección Caixanova. Firmado en el a.i.d. "SC"

Xoán Pardiñas presenta en esta obra un grupo de cuatro figuras humanas, tres ubicadas en el fondo, y delante de ellas una con los brazos abiertos y el rostro de perfil. Son figuras de grandes dimensiones, ampulosas y toscas que se vinculan con la estética del autor "románica primitiva" y, aunque están perfiladas con un grueso trazo gris, el autor las concibe de una manera homogénea. La paleta cromática es restringida a base de tonalidades grises y azuladas. En relación con la materia, es rugosa y empastada. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Collage, mezcla de diversos materiales: pastel, acrílico y recortes de fotografías pegados. El color predominante es un rosa violáceo, y los elementos recortados son fotografías en blanco y negro. Así mismo, hay texto escrito en toda la obra.

Obra hechacon materiales procedentes del campo, del medio rural que el autor descontextualiza y coloca en el formato de cuadro y usa como soporte de la policromía. Se trata de hierbas secas y luego pintadas. Los colores en degradación de verdes y ocres. Inscripción en el reverso en el a.i.i. "López Valiña 99".

Extenso mural que preside una de las aulas de la Facultad de Económicas y Empresariales. Recurre a un gran formato que a Quintana Martelo le sirve para acentuar el valor expresivo. Gestos, manchas y trazos geométricos. La búsqueda de la impresión de pieza inacabada, característica de las obras de Quintana, acentúa la sensación de espontaneidad gestual. Concibe el cuadro con juegos geométricos, en este caso, divide el lienzo en una serie de formatos cuadrangulares y rectangulares de distintos tamaños en los que sitúa las imágenes que, en la mayoría son manchas de color negro. Se mueve en un lenguaje expresionista que se traduce en una pintura dinámica de grandes pinceladas y empastada, lo que da densidad a la superficie.

Dentro de su producción, Tomé aborda durante un período en el que reflexiona sobre la existencia humana; sin embargo, esta está teñida de un sentido catastrofista y de angustia que parece claro en esta obra. En ella, aunque que se acerca sin duda a la abstracción, vemos ciertas formas que recuerdan la figura humana, pero que se representa sin rostro, sin forma definida, deshumanizada. Los colores, reducidos a tonos grises y negros, acompañan esta sensación creando una atmósfera irreal. Firmado en el a.i.i. "X. M. Tome". Inscripciones en el reverso del nombre y varias direcciones y teléfonos.

Escultura que representa un hombre maduro y barbado con un libro en su mano izquierda y el brazo derecho levantado, como un orador en actitud de fervorosa declamación. Desnudo, lleva una tela que no lo cubre, pero que enrosca más o menos helicoidalmente a lo largo del cuerpo de la figura, desde el pie izquierdo hasta el ombro derecho.

La obra de Tomé se mueve en una línea entre la abstracción y el expresionismo. En este caso, nos encontramos con una obra abstracta, en la que el autor cubre toda la superficie del lienzo a base de una sucesión de franjas verticales de colores oscuros, básicamente negros y marrones. Realiza una composición simétrica, ya que una franja más estrecha de color naranja divide en dos la superficie pictórica. Es una pintura de mancha, matérica, en la que la paleta cromática tan oscura y con tanta fuerza del color negro se vincula con el estilo neoexpresionista del autor.

Sobre una base rectangular granítica, se yergue la pieza también en piedra. De sentido vertical, el escultor esculpe el bloque con suaves incisiones cóncavas y convexas, ondulaciones que se convierten en una señal de identidad del artista. Valora Xosé Cid las posibilidades del material: el aspecto rugoso y sin pulir de una parte de la pieza, contrastando con otras más pulidas sobre las que actúa la luz; igualmente contrasta el color: el gris del granito de la base con el color dorado de la pieza.

Escena de interior, intimista que transcurre en una habitación en la que vemos a dos figuras, un hombre sentado sobre la cama y la mujer que se está mirando en el espejo. Característica de la obra de Sucasas es la figuración, aislada o en grupos. Son figuras rotundas, voluminosas compuestas con líneas corvas que aquí se contraponen con las líneas rectas que le sirven para la construcción del espacio: la cama, el espejo, el cuadro o el crucifijo y el interior de la habitación. Aunque su producción se entronca dentro del expresionismo, ecos post-cubistas están presentes en esta obra, visible en los rostros geométricos de las figuras. Comprado a la Galería Citania en el 1981. Firmado en el a.i.d.: "SUCASAS-70"

El material empleado en las obras de Xosé Cid está relacionado con la función que va a tener; la piedra, como este caso, es preferida por el escultor ourensano para las esculturas públicas u obras de gran tamaño. Sobre una base cuadrangular, se levanta el bloque de granito que Cid va esculpiendo hasta darle la forma que desea, forma y material que le confieren el aspecto de solidez y fuerza a la pieza además de potenciar la expresividad del material, la textura del granito.

En esta obra muy próxima a la abstracción, Tomé sitúa ante un fondo completamente negro, una figura sentada mirando de cara y lo que parecen ser las siluetas de otras figuras sentadas de espaldas al espectador. Todas están construidas a base de sólidos volúmenes redondeados y, siguiendo la costumbre habitual del autor, se presentan insinuadas, apenas sugeridas y bocetadas y no le vemos el rostro. La gama cromática sigue siendo de base oscura, con tonalidades grises y negras. Firmado en el ángulo inferior izquierdo.

Se acerca en su elementalidad esta escultura a propuestas minimalistas y conceptuales, conjugadas en una pieza de apariencia totémica. Concibe los volúmenes a partir de una rigurosa geometría plana. Trabaja con la madera, el material predilecto, dejando las vetas y nervaduras originales; deja la base -el tronco del árbol- y a partir de ahí va ensamblando siguiendo un sentido vertical, una serie de módulos articulados.

Obra abstracta con una gama cromática de ocres, blancos, negros y grises, que se combinan y funden suavemente, resultando una composición de difuminada nebulosa. Antonio Murado plasma la sensación de lo etéreo del espacio. Le interesa la calidad formal de la obra que trabaja mediante la técnica.

Una muy personal concepción de un bodegón o de una naturaleza muerta, dentro del universo de Urbano Lugrís. Firmado a. i. d.

Se aproxima a propuestas minimalistas, conformando la pieza una especie de tótem.

Escena costumbrista, en la que vemos a un hombre sentado a la mesa de una taberna con una taza y una jarra de vino. Impresión de serenidad, conjugada con una ligera expresión atónita del personaje. Los ecos cubistas y cézannianos se funden en un personal expresionismo. Comprado a la galería Citania en1981. Firmado a. i. d. "SUCASAS"

En medio de una estancia delimitada por la forma de un cubo, Maside sitúa una figura; en este caso se trata de una de sus indagaciones y fusiones de formas híbridas. Así, bajo la apariencia de una figura humana, superpone otra que parece recordar un minotauro. Se repiten las características del autor de reducir las figuras a simples siluetas y primar la espontaneidad de la mancha, del trazo. Los colores son sobrios, una paleta a base de grises y negros que contrasta con los tonos rosáceos de la estancia. Firmado en el ángulo inferior derecho.

Obra figurativa en la que el protagonista es una figura -a la que no le vemos el rostro- ataviada con una túnica blanca que la cubre por completo; la postura, de rodillas y con la cabeza agachada, produce la sensación de inquietud y malestar, tan común en una etapa de las obras de Tomé. Los colores y los trazos, fuertemente expresionistas contribuyen a incrementar esa sensación, al perfilar la figura con un grueso trazo negro, color que junto con el rojo compone el fondo de la obra.

Pintura en la que destacan, sobre todo, manchas de color; utiliza una gama de rojos, amarillos, verdes y azules. Esta obra lleva el sello de la abstracción. Según X. Seoane, se denota aquí "una pasión por el espacio, por un lenguaje estructural, por la fiesta del color y del trabajo ordenado tratando de fijar un nuevo espacio y, sobre todo, una visión de la pintura que ya intuía en él. Patiño entra en una etapa totalmente diferente, rupturista, con la anterior. Ayudado por la fuerza esencial del expresionismo, fundamentalmente por el abstracto americano, va a desembocar en una concepción vital, espontánea, festiva y táctil del cuadro, al que se entrega de lleno en el proceso creativo, por el gusto y el placer de crear".

Obra de tendencia abstracta en la que Abelenda parece recrear una vista de uno de sus paisajes de ciudades características; pero éste queda reducido a una simplificación de los elementos formales. Así, lo que serían las siluetas de los edificios y chimeneas quedan reducidas a sencillas formas. Cada uno de estos elementos está perfectamente dibujado e individualizado. Pero, sin duda, lo que más llama la atención en la obra es el color, explosivo y vivaz, que refleja su influencia expresionista. Firmado a. s. i "abelenda". Adquirido en la Subasta Millenium a beneficio de Cruz Roja; tiene una tarjeta en el reverso con datos de la autoría, técnica y precio de salida: 25.000 pts.

Durante la década de los '80, Bibián trabajó en una serie -que expone en la muestra del colectivo Nome en Lugo en 1988-, que recoge un trabajo en el que las formas que presenta tienen su punto de partida y la más clara influencia en la pintura prehistórica, con la que pretendía recuperar el comienzo de la pintura y reivindicar el valor y los modos de hacer en los comienzos del arte. Dentro de esta serie se incluyen tres obras que se conservan en la Facultad de Matemáticas de la USC. Aunque comparten elementos comunes, ésta se caracteriza por una mayor aproximación a la abstracción que las otras, sugiriéndose tan sólo la forma animal. Cabe subrayar la gestualidad del trazo negro, que consigue mayor energía y expresividad al superponerse directamente a la superficie blanca y rodearse de un fondo ligeramente teñido de colores apagados y de impresión acuosa. Firmado en el a.i.d.: "Bibian 84"

La obra de Díaz Fuentes se caracteriza por su interés en la morfología vegetal, las tendencias abstractas y la preocupación por la materia. En este caso nos encontramos con una obra en madera, compuesta por dos piezas, una que funciona a modo de basamento y otra de carácter vertical que se yergue sobre la primera; escultura que parece vibrar, de formas redondeadas y sinuosas nacidas de la observación y estudio de la naturaleza. Este carácter orgánico se vincula -según reconoce el propio autor- con el ambiente gallego de su juventud.

En esta obra de Deflet Kappeler, artista alemán afincado en Muxía, la mezcla de técnicas, la explosión de colores y las formas contrastadas marcan la dualidad entre la inmensidad y el frenesí del tiempo. Los rostros superpuestos con el cabello en movimiento de uno de ellos, junto con las diferentes técnicas del action painting, como el dripping, forman una obra llena de dinamismo estético. La reducción de los colores y de las estructuras ligeras crean un marco perfecto para las ideas destructivas del autor.

Representa elementos marinos, un timón con un pájaro encima y un ojo en el centro. Abajo, una leyenda que pone "ojo y buen tiempo", aconsejando a los marineiros. Es una pintura mural despegada y enmarcada.

Uno de los característicos Torsos de Acisclo, concebido como un fragmento, evocando restos clásicos, jugando con la sugerencia, irreal, de pertenecer a una pieza mayor y completa, que en este caso nunca existió materialmente. La atención se centra en el trabajo de la superficie, con relieves, ondulaciones e incisiones.

Pieza de cerámica cocida y pintada de color azul cian intenso. Se trata de un de los torsos femeninos fragmentados característicos del autor, con una evidente tendencia a la abstracción; los perfiles más o menos aristados, contrastan con las suaves ondulaciones de la pieza. La pieza fue adquirida al autor el 30 de mayo de 1990, por la cantidad de 150.000 pesetas.

Dentro de la producción de Mª Antonia Dans, trabaja el paisaje, tanto campestre como el marino. En este caso, estamos ante el primer caso: una escena en el campo en la que aparecen una serie de mujeres trabajando, dispuestas ordenadamente sobre la superficie. La figura humana está tratada con gran sencillez, característica de la autora, como también lo es el cromatismo, aquí mayoritariamente verde con el que compone la escena. Firmado en el a.s.i. Pegatina en el reverso (bastidor) de la Galería Biosca de Madrid: Título: Trabajos, Autor: Mª Antonia Dans, Medidas: 61x50 cm Rfa.(10.014) Materia: óleo

De estilo expresionista, Sucasas presenta en este dibujo a tres figuras femeninas abrazadas detrás de un árbol dejando vacía el resto de la superficie. Presenta a este grupo compacto, creando un perfil redondeado y quedando tan sólo visible en su totalidad la figura central. Cabe destacar la expresividad que el autor logra transmitir en los rostros de estas mujeres de soledad y tristeza. De excepcional técnica dibujística, se sirve del claroscuro y el difuminado para dar la sensación de volumen en las figuras que perfila con un trazo negro. Firmado en el a.i.d. Comprado a la galería Citania en 1981.

Irónica, o por lo menos ambigua, representación de un "sabio", coronado con el tocado de búho. Sobre el intenso rojo, la figura se fragmenta orgánicamente, en una representación de evidente influencia cubista; los gruesos trazos negros y los fuertes colores que delimitan estos, constituyen los elementos regidores de la obra, y conforman una primitiva composición a modo de vitral. Firma y fecha en el a.s.d.: "LAXEIRO/ BS-AS/1965". Inscripción en el reverso: "LAXEIRO/ BS-AS/1965". También en el reverso tiene una tarjeta con los datos identificativos (autor, título, cronología, dimensiones, y origen de la galería Citanía). Comprado a la Galería Citania en 1981.

En este lienzo, la pintora lucense hace evidente su admiración por Goya; conocemos otros títulos de la autora en esta misma línea, como "Aquelarre" y aquí nos representa a una mujer anciana asomada a una baranda que indudablemente nos trae a la memoria las pinturas negras del pintor zaragozano: el fondo de manchas negras y sobre todo el rostro caricaturizado de esta mujer son ecos de las obras que decoraban "La Quinta del Sordo"; del mismo modo, el recurso de utilizar la baranda sobre la que se apoya la mujer, nos remite a otra obra de Goya: los frescos que pintó para la iglesia de San Antonio de la Florida. El gusto por los espacios vacíos, el volumen de la figura, la pincelada de toques luminosos de influencia impresionista y el hecho de estar perfectamente individualizados cada elemento del cuadro: la figura, la baranda, la maceta con flores del fondo, son características de esta pintora lucense.

El tema de la vendimia es frecuente en las obras de Virxilio. En este grabado, el autor compone una escena en la que contrapone el carácter austero y autoabsorbido de las mujeres de carácter popular campesinas, con los paños a la cabeza, que están recogiendo la uva, con la sensualidad de la mujer desnuda del primer término -recurso tan empleado a lo largo de la historia del arte que en este caso parece recordar las obras de Matisse que el artista gallego conocería en su estancia en París-. El grabado pone de manifiesto las extraordinarias cualidades de Virxilio para el dibujo, en este caso minucioso, de trazo sencillo y curvilíneo. Firmado a. i. d. " Virxilio" y número de serie en el a.i.i. 55/100. Tinta color sepia

La colección de la Facultad de Ciencias Económica y Empresariales de Santiago tiene en esta obra un testimonio evocador de alguien que se licenció en la misma. Y fue en Compostela, en las salas “Matisse” y “Modus Vivendi” donde, por 1978, Monroy mostró por primera vez de forma individual sus obras, precisamente en el año en el que concluye sus estudios. En este caso, estamos ante un lienzo suyo de cara a 1980, a relacionar con sus series dedicadas a las ventanas, en la antesala del momento en el que aquel movimiento gallego renovador, que supuso Atlántica abre nuevos caminos para el arte y los artistas de esta tierra. Es él un autor próximo, entre otros, a Antón Patiño y Menchu Lamas; también, a Ánxel Huete.

Cuadro que pertenece a la serie "Yo te saludo, Sol" que comenzó a principios de 1999. Es durante esa década cuando Din Matamoro aborda en su obra la relación entre la pintura y el cine. Así, concibe sus lienzos como grandes pantallas, en las que proyecta la luz -el color, que trabaja de manera muy diluido, casi sin pigmento, lo que le da la sensación de ingravidez a la obra-. Así, un foco de luz blanca se proyecta sobre un fondo azul, dando como resultado una obra etérea y de apariencia ingrávida, ya que una de las constantes de estas "pantallas" es que trata de captar lo fugaz del agua o del cielo.